Zainwestuj w sztukę: kwiecień 2015
01.04.2015
Kolekcjonowanie od podstaw, Trendy inwestycyjne, Zainwestuj w sztukę
Cykl Rynku i Sztuki pt. „Zainwestuj w Sztukę” prezentuje prace funkcjonujące w obiegu galeryjnym, których wartość na rynku dzieł sztuki – szacowana na podstawie m.in. zainteresowania konkretnym nazwiskiem, dostępnością, techniką wykonania, trendami inwestycyjnymi – będzie systematycznie rosnąć. Szacuje się, że udział tzw. sztuki młodej w obrocie dziełami sztuki na polskim rynku stanowi obecnie prawie 50%. Interesują się nimi nie tylko kolekcjonerzy, ale i inwestorzy, dla których sztuka dawna pozostaje zbyt kosztowna. To właśnie młoda sztuka pozostaje obszarem, który daje możliwość największego zysku. Z tego też powodu, raz w miesiącu, przedstawimy Państwu zestawienie kilkunastu prac młodych polskich twórców, oferowanych przez czołowe galerie sztuki, które naszym zdaniem stanowią atrakcyjny obiekt inwestycyjny.
Pobierz „Zainwestuj w sztukę: kwiecień 2015”
Marta Kunikowska-Mikulska, Wiosna, olej na płótnie, 120 x 81 cm, 2013 r. (3200 zł)
„Kobiety boją się o dzieci, mężów i ten lęk przybrał postać rusałek, dziwożon, miawek, które mogą porwać, podmienić ukochaną osobę” – pisze o malarstwie Marty Kunikowskiej-Mikulskiej Bogumiła Pilecka. „To bardzo naturalne odczucia, bo przecież przesądy, dawne wierzenia mają swoje źródło w rzeczywistości”. Istotnie, artystka nurza się w świecie baśni, legend i ludowych podań, by w nieco współczesnej formie przelać je na nowo na płótno. O Marcie Kunikowskiej-Mikulskiej pisaliśmy już w kontekście wrześniowej odsłony cyklu „Zainwestuj w sztukę” (2014). Artystka pochodzi z Łodzi i tam też studiowała sztuki plastyczne w Akademii Sztuk Pięknych im. Władysława Strzemińskiego. Dyplom w zakresie grafiki warsztatowej obroniła w 2005 roku w Pracowni Technik Litograficznych pod kierunkiem prof. Witolda Warzywody. Pod kierunkiem prof. Mariana Kępińskiego powstał również aneks do wspomnianego dyplomu w Pracowni Malarstwa. Uczestniczyła w w szeregu wydarzeń, otrzymując kolejne wyróżnienia. Były to m.in. Przegląd Współczesnej Litografii Polskiej w Kielcach, wystawa pokonkursowa XXIV Festiwalu Polskiego Malarstwa Współczesnego w Szczecinie, wystawa finalistów Konkursu Fundacji im. Franciszki Eisbich w Warszawie, wystawa indywidualna w Galerii Sztuki Katarzyny Napiórkowskiej w Warszawie oraz Muzeum Kinematografii w Łodzi. „Wiosna” to oczywiste nawiązanie do pierwszych ciepłych i słonecznych dni roku. Po raz kolejny na pierwszym planie mamy kobietę, o wyraźnych rysach sugerujących, że mamy do czynienia z postacią z krwi i kości. Oślepiona intensywnym światłem jest spokojna, jakby zakłopotana. Zabieg ten stał się znakiem rozpoznawczym Kunikowskiej-Mikulskiej. Realizm, kontrasty i niejednoznaczność pozwalają jej wydobyć drzemiące w kobietach sprzeczności.
Salon Sztuki jest kuratorską przestrzenią online. Galeria sprzedaje wyselekcjonowane prace młodych i uznanych twórców. Ich doskonały warsztat i rzeczywiste nowatorstwo przyczyniają się do tworzenia nowych nurtów w polskiej sztuce. Doświadczenie, wiedza i monitorowanie rynku talentów umożliwia kreowanie trendów w sztuce najnowszej. Zakupy zgodne z osobistymi upodobaniami estetycznymi, możliwość rozwijania zainteresowań sztuką i kontakt z projektantami wnętrz – to gwarancja profesjonalnego doboru dzieła sztuki zarówno do określonej przestrzeni, jak i do portfela inwestycyjnego.
—————————————————————————————-
Maria Kiesner, Nad wodą, akryl na płótnie, 130 x 90 cm, 2015 r. (6500 PLN)
Maria Kiesner jest artystką o imponującym dorobku artystycznym. Swoje prace wystawiała m.in. w Luksemburgu, Danii, Niemczech i w wielu galeriach naszego kraju. W latach 1997-2002 studiowała na Wydziale Malarstwa w Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Jej dyplom pod kierunkiem prof. J. Modzelewskiego wyróżniony został nagrodą im. J. Szajny. Była również stypendystką Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego (w latach 2005 i 2007), natomiast obecnie pracuje jako adiunkt w Instytucie Edukacji Artystycznej Akademii Pedagogiki Specjalnej im. Marii Grzegorzewskiej w Warszawie. Maluje architekturę i pejzaże miejskie. Przedstawia obiekty realistycznie, ascetycznie i bez sztafażu, interesują ją fabryki, dworce, szkoły, domy kultury i zapomniane relikty socmodernizmu i modernizmu. „Nad wodą” pochodzi z nowego cyklu prac malarskich pt. „Bryła racjonalna”, których główną inspiracją stała się włoska architektura lat 30. XX wieku, a w szczególności realizacje najwybitniejszych włoskich architektów, zrzeszonych m.in. w Gruppo 7 oraz w MIAR (włoski ruch racjonalistycznej architektury). Narracja obrazów jest oszczędna, natomiast warsztat malarski Kiesner jawi się jako precyzyjne narzędzie analizy przestrzeni. Głównym motywem pozostaje dworzec w Sienie (architekta Angiolo Mazzoniego) dopełniony widokami opustoszałych nadmorskich budowli. Unaocznia się tu również pewna twórcza obsesja artystki – jej analityczne podejście twórcze, w którym architektura staje się skutecznym narzędziem interpretowania przeszłości. Kiesner jest zauroczona „czystą”, pozbawioną ornamentów formą. Interesuje ją groza i patos, oddawane m.in. poprzez mocne skróty perspektywiczne i mroczną, monochromatyczną kolorystykę. Obraz „Nad wodą” będzie można zobaczyć na wystawie Marii Kiesner „Bryła racjonalna” w Galerii 101 Projekt (13.04-30.04.2015).
101 Projekt – należąca do Barbary Elżanowskiej Rutherford prywatna galeria sztuki współczesnej, oferująca również doradztwo w zakresie tworzenia i rozwijania kolekcji dzieł sztuki. Galeria jest członkiem Stowarzyszenia Antykwariuszy Polskich (SAP) i Międzynarodowej Unii Antykwarycznej (CINOA). Oddział stacjonarny, oferujący fotografie, grafiki, rysunki, obrazy i rzeźby, zlokalizowany jest w Warszawie przy ul. Nowy Świat. Galeria współpracuje z takimi artystami, jak: Zbigniew Waszczeniuk, Grzegorz Gwiazda, Tomasz Kuran, Magdalena Kazimierska, Wit Bogusławski, Mariusz Mierzejewski, Katarzyna Kalua Kryńska , Zbigniew M.Dowgiałło, Krzysztof Ostrzeszewicz. Galeria brała udział w tegorocznej edycji Warszawskich Targów Sztuki.
—————————————————————————————-
Marcelina Groń, Calli-crash, akryl na płótnie, 190 x 220 cm, 2014 r. (Zapytaj o cenę)
Marcelina Groń pochodzi z Wrocławia. Jest studentka malarstwa na wrocławskiej Akademii Sztuk Pięknych w pracowni Krzysztofa Skarbka. W latach 2011-2012 była stypendystką mediolańskiej Academia di Belle Arti di Brera, rok później stypendystką Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego. Dwukrotna laureatka Stypendium Rektora Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu dla najlepszych studentów (2012-2013, 2013-2014). W roku 2013 otrzymała stypendium Prezydenta Miasta Wrocławia na rok akademicki 2013/2014, Grand Prix w konkursie Nagroda Artystyczna Galerii Dominikańskiej „Nowoodkryta” oraz wyróżnienie honorowe w Konkursie malarskim „Postawy” we Wrocławiu. W roku 2014 obroniła dyplom magisterski w pracowni prof. Krzysztofa Skarbka w Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu, któremu w ramach VI Interdyscyplinarnego Festiwalu Sztuk 2014 przyznano nagrodę artNoble dla najlepszego dyplomu publicznych uczelni artystycznych. O twórczości Marceliny Groń wspominaliśmy w kontekście wystawy „Ciała a rzeczy”, która do 13 maja eksponuje twórczość młodych artystów w Galerii Miejskiej we Wrocławiu. Artystka w swojej twórczości odwołuje się do problematyki przestrzeni, rozmywając granice między empirycznością i sensualnością świata, w którym żyjemy.
Galeria Miejska we Wrocławiu – działająca od 1991 roku galeria sztuki, powołana przez miasto Wrocław. Działania Galerii obejmują prezentację polskiej i międzynarodowej sztuki oraz promocję sztuki rodzimej– w szczególności wrocławskich twórców – poza granicami kraju. W 2013 roku do życia powołana została Fundacja Galerii Miejskiej we Wrocławiu, której celem programowym stało się współtworzenie tożsamości europejskiej, poprzez aktywną promocję sztuki oraz zaznaczenie jej roli dla współczesnej edukacji. Do zadań Fundacji należy również pozyskiwanie finansowego wsparcia oraz promocja artystów w środowiskach biznesowych.
—————————————————————————————-
Miłosz Flis, Czas apokalipsy, akryl na papierze i kolaż, 100 x 140 cm, 2011 r. (Zapytaj o cenę)
Miłosz Flis urodził się w 1986 roku w Lublinie. Początkowo związany był z tamtejszą uczelnią, potem rozpoczął studia na Wydziale Rzeźby Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu. W 2012 roku obronił dyplom z rzeźby w pracowni prof. Janusza Kucharskiego. Zajmuje się rzeźbą, malarstwem i grafiką, opierając się na eksperymentach formalnych i technologicznych. Interesuje się równocześnie abstrakcją i malarstwem figuratywnym. Ważnym elementem wielu jego prac są absurd i humor. Artysta, dzięki zastosowanej technice, wychodzi poza ramy samego obrazu, z wielką wrażliwością dobiera kolor oraz operuje światłocieniem. Mimo pozornie abstrakcyjnego przedstawienia, dobór środków artystycznych do tematu sprawia, że dzieło staje się wyjątkowe w swojej prostocie. „Czas Apokalipsy” Miłosza Flisa nawiązuje do znanego kadru z filmu Francisa Forda Coppoli pod tym samym tytułem. W ekspresyjny sposób artysta zakomponował przestrzeń obrazu mieszając tradycyjne środki malarskie z kolażem. Wkomponowane elementy wzbogacają przedstawienie o dodatkowe konteksty.
Galeria Miejska we Wrocławiu – działająca od 1991 roku galeria sztuki, powołana przez miasto Wrocław. Działania Galerii obejmują prezentację polskiej i międzynarodowej sztuki oraz promocję sztuki rodzimej– w szczególności wrocławskich twórców – poza granicami kraju. W 2013 roku do życia powołana została Fundacja Galerii Miejskiej we Wrocławiu, której celem programowym stało się współtworzenie tożsamości europejskiej, poprzez aktywną promocję sztuki oraz zaznaczenie jej roli dla współczesnej edukacji. Do zadań Fundacji należy również pozyskiwanie finansowego wsparcia oraz promocja artystów w środowiskach biznesowych.
—————————————————————————————-
Agata Kosmala, Okno 01 (z cyklu Pomiędzy), technika mieszana na płótnie (olej, akryl, tusz, szlagaluminium na płótnie), 120 x 120 cm, 2015 r. (4200 PLN)
Agata Kosmala jest absolwentką Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu (pracownia prof. Wandy Gołkowskiej i prof. Piotra Błażejewskiego). Należy do Związku Polskich Artystów Plastyków. Jej prace pokazywane były m.in. w Armenii, Francji, Kanadzie, Stanach Zjednoczonych i na Węgrzech. Obraz ” Okno” jest najnowszą pracą z cyklu ” Pomiędzy”. To próba znalezienia wspólnej płaszczyzny dla świata realnego i pierwiastka duchowego. Obraz jest zapisem istoty procesu otwierania i zamykania się na zewnętrzność. Okno – symbol, który łączy nas i nasz dom ze światem zewnętrznym – jest jak otwarta brama, dająca poczucie szerszego wymiaru, prezentując otwartość i swoistą dynamikę. Przenikające się duże plamy kolorów podkreślają chwilowość, ulotność tego procesu, a jasna powierzchnia umieszczona centralnie, świadomie nie komunikuje żadnego akcentu, podkreślając główny motyw obrazu. Cechą charakterystyczną malarstwa Agaty Kosmali jest zestawianie szerokiej gamy środków ekspresji artystycznej z dwuwymiarową przestrzenią płótna. Artystka konfrontuje motywy, kolory, nastroje i perspektywę, tworząc i niszcząc związki między nimi. Zadaje pytania dotyczące przestrzeni dzielącej widza i obraz – z jednej strony łechce jego ciekawość i onieśmiela feerią barw, z drugiej pozostawia go osamotnionego w sytuacji wyboru.
Food Art Gallery – pierwsza w Polsce inicjatywa artystyczno-restauracyjna, w której galeria sztuki współczesnej została połączona z restauracją aspirującą do klasy fine dining. Obrazy uznanych i młodych twórców oraz wysokiej klasy kulinarne dzieła sztuki prezentowane są w ramach jednej niecodziennej i luksusowej przestrzeni. Wystawy, podobnie jak karty dań, są regularnie zmieniane, a sama galeria stara sie wspierać również lokalne talenty. Właścicielką i inicjatorką Food Art Gallery jest Anna Gendaj.
—————————————————————————————-
Baśka Wesołowska, Samotność Z., 70 x 50 cm, Samotność K., 70 x 100 cm (dyptyk), olej na płótnie, 2013 r. (4200 PLN)
Baśka Wesołowska urodziła się 1989 roku. W 2013 roku obroniła dyplom magisterski z malarstwa oraz aneks ze scenografii w Akademii Sztuk Pięknych w Katowicach. Zajmuje się malarstwem, grafiką oraz scenografią. Prezentowany dyptyk pochodzi z cyklu „Siostry – przestrzenie intymne”, w których motywem przewodnim artystka uczyniła historie rodzeństwa, ustawicznego przeplatania się krajobrazów oraz emocji. Kluczem do budowania przestrzeni staje się intymność – Wesołowska manipuluje wyobraźnią widza poprzez subtelne odwołania do umownych, czasem melancholijnych scen. Odbiorca staje się zatem świadkiem niedopowiedzianych i niejednoznacznych wydarzeń, przy czym w żaden sposób nie ogranicza się mu swobody interpretacji. W tym sensie wymowność „Samotności” może ulec pewnym zaburzeniom. Obie części dyptyku powstały w duchu odosobnienia, zespolenia z naturą, ale i oderwania od drugiego człowieka. Wyczuwalny jest pewien chłód i jałowość tego pejzażu, o czym świadczy wypłowiała kolorystyka trawy i ziemi obok nasyconego błękitu, jako koloru zapomnienia. Powoduje to jednak pogłębienie nastroju obrazu. Cały cykl przepełniony jest artystyczną szczerością Wesołowskiej, co powinno zainteresować przede wszystkim wrażliwych widzów.
Galeria Sztuki Dagma Art – galeria specjalizująca się w malarstwie współczesnym, współpracująca z uznanymi oraz młodymi przedstawicielami polskiego świata sztuki. Galeria zapewnia kompleksową obsługę w zakresie doboru dzieł sztuki do wnętrza, oraz budowę kolekcji dzieł sztuki o określonej wartości estetycznej oraz potencjale inwestycyjnym. Dagma Art odpowiada na potrzeby najbardziej wymagających klientów, realizuje zamówienia portretowe, oraz zamówienia na obrazy w określonym formacie, kolorystyce i tematyce.
—————————————————————————————-
Zdzisław Majrowski (Constantin Meyro), Myśli, olej na płótnie, 135 cm × 100 cm, 2013 r. (17500 PLN)
Zdzisław Majrowski, tworzący również pod pseudonimem Constantin Meyro, to wzorujący się na Paulu Cezanne i Franzu Kokoschce malarz średniego pokolenia, którego kariera rozpoczęła się głośną wystawą w Monachium w 1981 roku („Pastisze XVII-wiecznego malarstwa). Obecny na rynku od 40 lat. Malarstwo studiował w pracowni prof. Jana Lisa, warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych. Kojarzony jest przede wszystkim z wielkoformatowym malarstwem figuratywnym oraz swobodą twórczą w zakresie doboru techniki ekspresji – od płaskich monochromatycznych kompozycji aż do kontrastowych impastów i reliefów. Malarstwo Zdzisława Majrowskiego znajduje się w wielu prywatnych kolekcjach w Europie, Ameryce i Japonii, m.in. w kolekcjach takich instytucji, jak Deutsche Bank oraz Berlinische Leben. Wystawiał m.in. w Paryżu, Kijowie, Nowym Jorku i Londynie. Jest jedynym polskim artystą rekomendowanym przez angielski miesięcznik biznesowy „Funds Europe”. Abstrakcje sygnowane przez Majrowskiego znajdują szerokie grono odbiorców wśród indywidualnych kolekcjonerów oraz architektów wnętrz (jako uzupełnienie prestiżowych wnętrz o chłodnej kolorystyce). Krytycy zwracają również szczególną uwagę na unikalny, obfity sposób nakładania farby.
Blue-S – warszawska galeria sztuki współczesnej, powstała w 2004 roku. Galeria oferuje unikatowe prace artystów z Polski i regionu Europy środkowo-wschodniej oraz świadczy usługi renowacji i oprawy obrazów. Są to prace zarówno dekoracyjne, jak i dzieła o wysokim potencjale inwestycyjnym (posiadają certyfikat oryginalności). Galeria jest również aktywnym animatorem warszawskiego środowiska artystycznego, bierze udział w targach sztuki o międzynarodowym charakterze.
—————————————————————————————-
Ryszard Horowitz, Niemen, fotografia kolekcjonerska, limitowana, sygnowana. Fotokompozycja analogowa (Zapytaj o cenę)
Ryszard Horowitz urodził się w Krakowie w 1939 roku. Studiował w Wyższej Szkole Sztuk Pięknych, a następnie w Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie. Dzięki pomocy jednego z amerykańskich uniwersytetów wyjechał do Nowego Jorku i rozpoczął studia na kierunku projektowania w Pratt Institute. Pracował dla wielu agencji, między innymi jako dyrektor artystyczny Grey Advertising. Jego pasja do fotografowania zaowocowała własnym studiem fotograficznym, które otworzył pod koniec lat ’60. Od tamtego czasu jego prace zyskały sobie uznanie na całym świecie. W 1983 roku uznano go Amerykańskim Fotografikiem Roku. Jest również prekursorem komputerowego przetwarzania fotografii i współzałożycielem amerykańskiego Stowarzyszenia Fotografików Reklamowych APA. Fotografia przedstawiająca Czesława Niemena została wykonana podczas jego pobytu w Nowym Jorku. Zdjęcie powstało w czasie sesji fotograficznej do okładki płyty.
„Czesława Niemena poznałem podczas jego pierwszego pobytu w Nowym Jorku z początkiem lat 70. Ula Dudziak i Michał Urbaniak po prostu przyprowadzili go do nas na kolację. Opowiadał nam wtedy dużo o płycie, którą planował nagrać dla amerykańskiej wytwórni Columbia Records.Któregoś dnia zaprosiłem go do swojej pracowni. Od samego początku polubiliśmy się nawzajem i spotykaliśmy się również w Warszawie przy każdej okazji. Cudowny bezpośredni człowiek i wybitny muzyk,który niestety opuścił nas za wcześnie“. Fotografie Ryszarda Horowitza oraz prace innych wybitnych polskich artystów przedstawiające osobę muzyka zobaczyć będzie można w warszawskiej Ney Gallery&Prints. Wystawa „Niemen” czynna będzie od 12 kwietnia do 17 maja 2015 r.
Ney Gallery&Prints pełni rolę przestrzeni artystycznej i kolekcjonerskiej, łączącej doświadczenie i autorytet znanych i cenionych twórców, z młodymi, elektryzującymi postawami twórczymi. Galeria prezentuje sztukę niekonwencjonalną i klasyczną, zajmuje się sprzedażą fotografii i malarstwa. Za pośrednictwem galerii nabyć można prace m.in. Ryszarda Horowitza, Lidii Popiel, Katarzyny Stanny, Tomasza Sikory, Krzysztofa Gierałtowskiego, Wojciecha Prażmowskiego, Jowity Mormul. Ney Gallery&Prints to także pracownia fotograficznych wydruków wielkoformatowych, gdzie drukowane były prace m.in Chrisa Niedenthala, Tomka Sikory, Lidii Popiel.
—————————————————————————————-
Piotr Saul, Dziewczyna w dredach, akryl i sprej na płótnie , szablon, 120 x 80 cm, 2014 r. (2500 PLN)
Piotr Saul to postać na polskiej scenie artystycznej niezwykła. Sztuki wizualne stanowią dla niego punkt wyjścia dla dalszych eksperymentów na gruncie muzycznych i teatralnym. Jak sam mówi, długo poszukiwał ujścia dla własnej kreatywności, po czym trafił pod skrzydła prof. Andrzeja Basaja, prof. Wiesława Gołucha oraz prof. Krzysztofa Skarbka – pedagogów i wykładowców Akademii Sztuk Pięknych im. E. Gepperta we Wrocławiu. Tam też w 2010 roku obronił dyplom z grafiki warsztatowej z dwoma aneksami: malarskim oraz multimedialnym. Popularność przyniosła mu w szczególności aktywność w formujących się dopiero środowiskach związanych ze sztuką uliczną, głównie street artu. Brał udział w takich programach telewizyjnych jak: You Can Dance oraz Mam Talent, gdzie wspólnie z zespołem Me Myself And I został okrzyknięty najbardziej nowatorskim artystą tamtej edycji program. Od 14 lat zajmuje się Beatboxem. Tworzy własne kompozycje muzyczne. Brał udział w wielu koncertach i festiwalach na terenie całego kraju m.in. – Era Nowe Horyzonty oraz SlotArt Festiwal. Można go również zobaczyć i usłyszeć w Teatrze Muzycznym Capitol we Wrocławiu. „Dziewczyna w dredach” to realizacja nawiązująca do lat 80 i 90 XX wieku. Pierwszy rzut oka na wielkoformatowe płótno odsłania przed widzem podniszczoną tapetę w ponurej kolorystyce, która odsłania ukryte w ścianie zwoje kolorowych kabli. Po chwili okazuje się jednak, że pada ofiarą złudzenia optycznego – otwory nakreślają profil kobiety. Saul w charakterystyczny dla siebie sposób umiejscawia widza między technologią, materializmem – wraz ze wszystkimi jego aspektami – oraz ekologią. Tytułowa „Dziewczyna z dredami” pozostaje dla niego symbolem wartości i ostatniego bastionu obrońców praw przyrody.
Piotr Saul ur. w 1986 r. w Nowej Rudzie. Artysta wizualny, muzyk i tancerz, absolwent Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocław na wydziale Grafiki i Sztuki Mediów. Obecnie asystent w pracowni malarskiej prof. K . Skarbka na Wydziale Malarstwa i Rzeźby tejże uczelni. Członek ZPAP oraz Grupy Kotlina Kru. Aktualnie zajmuje się ogólnie pojętym malarstwem, projektowaniem oraz organizacją wystaw, oscylujących wokół tematyki street artu i nie tylko.
—————————————————————————————-
Justyna Pennards-Sycz, There will be heat, akryl na płótnie, 90 x 120 cm, 2014 r. (Zapytaj o cenę)
Justyna Pennards-Sycz zajmuje się malarstwem abstrakcyjnym, opartym na silnym kolorze. W roku 2014 reprezentowała Polskę w ramach Edynburgh Art Fair oraz jest jedną z nielicznych polskich artystek polecanych przez Saatchi Art. Swoje prace wystawiała m.in. w Holandii, Polsce, Niemczech oraz USA. Jest również pomysłodawczynią i współwłaścicielką Galerii i Fundacji Archipel w Amersfoort (Holandia). „There will be heat” po raz kolejny podejmuje temat egzotycznych morskich głębin, w szczególności wyobrażenie nt. jakby zatrzymanego w czasie świata wodnej roślinności. Obraz należy do cyklu tematycznego pt. „Ocean”, powstającego na kanwie zainteresowania różnorodnością podwodnego świata. Powstające w ten sposób eksperymentalne płótna łączą zjawiska dające się zaobserwować w przyrodzie z kategorią absurdu, tworząc w ten sposób unikalną, niezwykle sugestywną przestrzeń. „There will be heat” wyróżnia się na tle pozostałych prac Pennards-Sycz. Wydaje się on być próbą uchwycenia momentu, w którym życie zamiera, jakby w oczekiwaniu na nadchodzący koniec. Swoisty Vanitas, jaki się tu realizuje jest zjawiskiem jednocześnie pięknym i przerażającym, smutnym, ale i pełnym nadziei. Ciemna kolorystyka powoduje w widzu pewien dyskomfort, który jednak artystka stara się przełamać poprzez dbałość szczegóły – napięcie znika, gdy zdamy sobie sprawę, że zasadniczo wszyscy jesteśmy częścią koła życia.
Justyna Pennards-Sycz – studia ekonomiczne na Westfalskim Uniwersytecie Wilhelma w Münsterze oraz artystyczne (specjalizacja: malarstwo) w Wyższej Szkole Sztuk Pięknych Hogeschool voor de Kunsten w Utrechcie. Project manager oraz specjalista ds. komunikacji wewnętrznej. Od 2005 roku malarka w duchu abstrakcjonizmu. Działaczka i współwłaścicielka Galerii i Fundacji Archipel w Amersfoort. Mieszka i pracuje w Holandii.
Justyna Pennards-Sycz w Katalogu Rynku i Sztuki
—————————————————————————————-
Wojciech Tut Chechliński, Zaskoczenie, olej na płótnie, 38 x 49 cm, 2012 r. (Zapytaj o cenę)
Wojciech Tut Chechliński jest warszawskim artystą-malarzem, który zaczynał tworzyć jeszcze w dzieciństwie. Niezwykła jest historia rodzinnej kolekcji dzieł sztuki, która zawierała prace m.in. Tytusa Czyżewskiego, Wacława Taranczewskiego, Jana Cybisa czy Józefa Pankiewicza. Artysta stroni od jednoznacznego identyfikowania się z konkretnym nurtem artystycznym. Aktualnie zajmuje się tworzeniem kolejnych obrazów w zaciszu własnej pracowni. Jego twórczość stanowi jednak rodzaj kompromisu pomiędzy dokonaniami kubistów, w szczególności Georgesa Braque’a oraz szeroko rozumianych prymitywistów, spychanych dziś na margines oficjalnego nurtu sztuki. Chechliński zrywa z osiągnięciami sztuki iluzorycznie odzwierciedlającej rzeczywistość. Pozostaje on twórcą spontanicznym, odrzucającym perspektywę i poszukującym sensu obserwowanego świata w jego zgeometryzowanej parafrazie. Jest to twórca operujący silnym, nakładanym warstwowo kolorem. Nie inaczej jest w przypadku „Zaskoczenia”, w którym zamyka się mozaikowy, choć równie dobrze moglibyśmy powiedzieć witrażowy, gest malarski artysty. Artysta stara się sterować wyobraźnią widza, manipulować dostępnym kształtem i formą, które jednocześnie pozostają w silnym związku z towarzyszącymi artyście stanami emocjonalnymi.
Wojciech Tut Chechliński – artysta malarz, od kilkudziesięciu lat budujący własną wizję świata odwołującego się do wyobraźni widza. Jego malarstwo – formalnie bliskie dokonaniom kubizmu, abstrakcjonizmu oraz art brut – cechuje szeroka gama kolorystyczna, syntetyzm twórczy oraz mniejsza skala deformacji. Żyje i pracuje w Warszawie.
Wojciech Tut Chechliński w Katalogu Rynku i Sztuki
—————————————————————————————-
Portal Rynek i Sztuka
