szukaj w portalu Rynek i Sztuka MENU:

Zainwestuj w sztukę: wrzesień 2015

01.09.2015

Kolekcjonowanie od podstaw, Trendy inwestycyjne, Zainwestuj w sztukę

Po wakacyjnej przerwie wracamy z kolejną odsłoną cyklu „Zainwestuj w Sztukę”, by nadal, co miesiąc, prezentować zestawienia prac cieszących się rozmącą popularnością na rynku sztuki oraz najlepsze galerie polskiego rynku artystycznego. Szacuje się, że udział tzw. sztuki młodej w obrocie dziełami sztuki na polskim rynku stanowi obecnie prawie 50%. Interesują się nimi nie tylko kolekcjonerzy, ale i inwestorzy, dla których sztuka dawna pozostaje zbyt kosztowna. To właśnie młoda sztuka pozostaje obszarem, który daje możliwość największego zysku. Z tego też powodu, raz w miesiącu, przedstawimy Państwu zestawienie kilkunastu prac polskich twórców, oferowanych przez czołowe galerie sztuki, które naszym zdaniem stanowią atrakcyjny obiekt inwestycyjny.

Pobierz „Zainwestuj w sztukę: wrzesień 2015”


Sylwia Zawiślak, z cyklu Przysłowia polskie, Jednemu się zmiele a drugiemu skrupi. Szedł w butach a znać go boso, linoryt, dyptyk, 17x29cm, 2015 r. (100 PLN)

Sylwia Zawiślak, dyptyk linoryt, 2015,Sylwia Zawiślak zajmuje się grafiką warsztatową, ilustracją oraz grafiką projektową. W 2015 roku ukończyła Wydział Sztuki Uniwersytetu Rzeszowskiego (dyplom w pracowni projektowej prof. Wiesława Grzegorczyka oraz w pracowni druku wypukłego prof. Krzysztofa Skórczewskiego). Charakterystyczną cechą prac artystki jest ich głęboki związek z wierzeniami ludowymi wyrosłymi na gruncie kultury słowiańskiej. Artysta o swoich inspiracjach mówi otwarcie: „Praca nad grafikami stała się dla mnie powrotem w lata dzieciństwa, przepełnionego niewiadomymi obawami, mieszającymi się z dziecięcą ciekawością, pytaniami o to, co jest niepewne, co kryje się w cieniu”. Prezentowana praca przynależy do serii ilustracyjnej przysłów polskich. W warstwie wizualnej bliska drzeworytowi ludowemu, jest w istocie reprezentacją stosunków społecznych panujących w XVI i XVII-wiecznej Polsce.  „ Jednemu się zmiele a drugiemu skrupi” to przysłowie wywodzące się z folkloru młynarskiego, które zdradza prymitywną wtedy technologię dawnych młynów i niesprawiedliwy los młynarzy, którzy w jej wyniku skazani byli często na uciążliwy, ponowny przemiał. Buty z kolei aż do XIX wieku stanowiły reprezentację właściciela, stąd przysłowie: „Szedł w butach a znać go boso” – nie jest taki ważny (święty), jak mu się wydaje, nawiązujące do ludzkiej próżności.

SalonSztuki.net jest kuratorską przestrzenią online. Galeria sprzedaje wyselekcjonowane prace młodych i uznanych twórców. Ich doskonały warsztat i rzeczywiste nowatorstwo przyczyniają się do tworzenia nowych nurtów w polskiej sztuce. Doświadczenie, wiedza i monitorowanie rynku talentów umożliwia kreowanie trendów w sztuce najnowszej. Zakupy zgodne z osobistymi upodobaniami estetycznymi, możliwość rozwijania zainteresowań sztuką i kontakt z projektantami wnętrz – to gwarancja profesjonalnego doboru dzieła sztuki zarówno do określonej przestrzeni, jak i do portfela inwestycyjnego.

Zobacz wiecej zainwestuj w sztuke Button

SALONSZTUKI
—————————————————————————————-

Paweł Pierściński, Bruzda (z cyklu Portret Ziemi Kieleckiej), brom, edycja 3/10, odbitka w opracowaniu autorskim z czasu powstania fotografii, 22 x 28 cm, 1968 r. (1900 PLN)

BruzdaPaweł Pierściński jest absolwentem Politechniki Warszawskiej, który w latach 50. XX w. zainteresował się fotografią, którą zajmuje się do dziś. Publicysta, krytyk i teoretyk fotografii, a także twórca i animator Kieleckiej Szkoły Krajobrazu. Członek ZPAF oraz założyciel Okręgu Okręgu Świętokrzyskiego ZPAF o imponującym dorobku artystycznym – ponad 250 wystaw indywidualnych oraz ponad 600 prezentacji zbiorowych w Polsce i na świecie. Za twórczość fotograficzną oraz działalność społeczną otrzymał m. in. Krzyż Oficerski i Krzyż Kawalerski Orderu Odrodzenia Polski, Srebrny Medal Zasłużony Kulturze Gloria Artis oraz honorowe odznaczenia Międzynarodowej Federacji Sztuki Fotograficznej: AFIAP, EFIP i ESFIAP. Pierściński od kilkudziesięciu lat niezmiennie fotografuje piękno pejzażu Ziemi Kieleckiej, odnajdując w nim ciągle to nowe inspiracje. Utrwala dostrzeżoną harmonię proporcji, rytmy, geometrię, kontrasty budowane światłem. Zdjęcia pełne są subtelnych emocji i wrażeń silnie związanych z ziemią świętokrzyską. Pierściński kreuje pejzaże na wzór idealnych form kształtowanych przez siły natury – układa je w kolażowe wzory, zrytmizowane struktury, tworząc swoiste matematyczno-geometryczne modele i kompozycje. „Pejzaż mojej sztuki jest zbudowany na wzór i podobieństwo krajobrazu świętokrzyskiego. Forma i kształt oraz zróżnicowanie walorowe poletek tworzą w nim charakterystyczny wzór szachownicy, w której drobny deseń pól wpisany jest w rozległe przestrzenie krajobrazu.“ Obserwując zmieniające się oświetlenie, pory dnia, czy roku utrwala widoki pełne nostalgii i klimatu charakterystycznego dla polskiego pleneru. Te swoiste „portrety“ Ziemi Kieleckiej rejestrowane są od ponad 50 lat. Część obrazów utrzymana jest w realistycznej manierze, inne są bardziej surrealistyczne, czy wręcz baśniowe. W uwiecznionych wiernych widokach natury, bądź tych przetworzonych – kolażowych czy fotomontażowych obrazach odnajdujemy przyjemność kontemplacji przestrzeni oraz form, kształtów i struktur czysto plastycznych.

101 Projekt – należąca do Barbary Elżanowskiej-Rutherford prywatna galeria sztuki współczesnej, oferująca również doradztwo w zakresie tworzenia i rozwijania kolekcji dzieł sztuki. Galeria jest członkiem Stowarzyszenia Antykwariuszy i Marszandów Polskich (SAiMP) i Międzynarodowej Unii Antykwarycznej (CINOA). Oddział stacjonarny, oferujący fotografie, grafiki, rysunki, obrazy i rzeźby, zlokalizowany jest w Warszawie przy ul. Nowy Świat. Galeria współpracuje z takimi artystami, jak: Paweł Pierściński, Marcin Rząsa, Tomasz Tomaszewski, Tomek Sikora, Mateusz Sikora, Krystyna Nowakowska, Grzegorz Gwiazda, Katarzyna Kalua Kryńska, Anita Andrzejewska, Joanna Chudy, Wioletta Jaskólska, Katarzyna Goldyn, Magdalena Shummer-Fangor, Agnieszka Sandomierz, Krzysztof Ostrzeszewicz.

Zobacz wiecej zainwestuj w sztuke Button

logo 500x500-01

—————————————————————————————-

Agata Gertchen, Przedmiot_05 (z cyklu Anatomia przedmiotu porzuconego), mezzotinta, 60 x 90 cm (z ramą 76 x 107 cm), 2015 r. (Zapytaj o cenę)

Object_05_mezzotinta_59x90cm_2015Agata Gertchen urodziła się w 1985 roku w Rawiczu. W roku 2010 ukończyła Akademię Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu na Wydziale Grafiki. W latach 2009-2010 pracowała na stanowisku laboranta w Pracowni Rysunku Kreatywnego prof. Jacka Szewczyka. Obecnie jest asystentką w Pracowni Intaglio prof. Przemysława Tyszkiewicza. W roku 2008 otrzymała stypendium Erasmus na Wydziale Sztuk Pięknych Uniwersytetu Wolverhampton w Anglii, a rok później stypendium na Uniwersytecie Tennessee w Knoxville w Stanach Zjednoczonych. Jej prace graficzne i rysunkowe były wielokrotnie nagradzane, m.in. Grand Prix na 12. Biennale Grafiki Artystycznej w Brugii (Belgia), I nagrodą w kategorii „grafika” na 38. Światowej Wystawie Sztuki na Papierze w Skopje (Macedonia), oraz Grand Prix 7. Międzynarodowego Triennale Grafiki w Bitoli (Macedonia). Twórczość Gertchen odwołuje się do codzienności, która manifestuje się w czynnościach powtarzalnych i przedmiotach, które przeważnie zawsze znajdują się blisko człowieka. Fascynują ją pospolite i porzucone elementy, które przekształca i formuje, aby nadać im drugie życie. Prace z cyklu „Anatomia przedmiotu porzuconego” stanowią syntetyczną, oszczędną w formie i elegancką kolekcję kształtów, które napromieniowane rutyną i szarością, prowokują do nowego spojrzenia na to, co zepchnięte na bok i wyparte z pola widzenia.

Galeria Miejska we Wrocławiu – działająca od 1991 roku galeria sztuki, powołana przez miasto Wrocław. Działania Galerii obejmują prezentację polskiej i międzynarodowej sztuki oraz promocję sztuki rodzimej– w szczególności wrocławskich twórców – poza granicami kraju. W 2013 roku do życia powołana została Fundacja Galerii Miejskiej we Wrocławiu, której celem programowym stało się współtworzenie tożsamości europejskiej, poprzez aktywną promocję sztuki oraz zaznaczenie jej roli dla współczesnej edukacji. Do zadań Fundacji należy również pozyskiwanie finansowego wsparcia oraz promocja artystów w środowiskach biznesowych.

Zobacz wiecej zainwestuj w sztuke Button

LOGO fundacja


logo_GM_wersja pozytywowa

—————————————————————————————-

Agnieszka Ewa Braun, Melancholia: Walka, Zwiastun, Dzieciństwo, W wilczej skórze, Przemiana, Lustro, Potwór, Lilie, Bez wyjścia, Nóż, Martwy Wilk, Czarne chmury (cykl 12 obrazów formatu 20 cm x 20 cm), żywica i akryl na płótnie, 2012 r. (Zapytaj o cenę)

Agnieszka_Ewa_Braun_z_cyklu_Melancholia_malarstwo_zywicaAgnieszka Ewa Braun – absolwentka Wydziału Grafiki i Sztuki Mediów Akademii Sztuk Pięknych im. E. Gepperta we Wrocławiu. W 2014 r. obroniła dyplom magisterski z wyróżnieniem, uzyskując tytuł Najlepszego Dyplomu Magisterskiego 2014 Katedry Sztuki Mediów. Od 2014 r. współpracuje z Galerią Miejską we Wrocławiu oraz należy do Związku Polskich Artystów Plastyków. Zajmuje się sztuką nowych mediów, sięgając po instalacje multimedialne, fotografie oraz video-art, a także eksperymentując z tradycyjnym medium, m.in. rysunkiem, malarstwem i grafiką. Jest laureatką wielu nagród, stypendiów oraz uczestniczką licznych wystaw interdyscyplinarnych o charakterze ogólnopolskim i międzynarodowym, m.in. „Żelaznego Filmowca” za Najlepszy Wideo-Art 18. Międzynarodowego Festiwalu Filmowego „Zoom-Zbliżenia”, Trzeciej Nagrody Konkursu TVP KULTURA „Dolina Kreatywna”, Nagrody w kategorii Obraz i Dźwięk na Międzynarodowym Festiwalu Filmu Artystycznego „Na Linii Czasu”, a także udziału w międzynarodowych przeglądach sztuki, m.in. Ostrale’015 „Handle with Care” w Dreźnie, DMY Międzyanrodowy Festiwal Designu w Berlinie, FIVA V Międzynarodowego Festiwalu Wideo w Buenos Aires, Międzynarodowego Festiwalu Wideo-Art „AVI” w Izraelu, Global Print 2013 w Portugalii, Osten Galerija Biennial of Drawing w Macedonii, Salon Du Soleil Art. Celebration w Anglii. Cykl Melancholia, w ramach bieżącej edycji „Zainwestuj w sztukę” zaprezentowany w całości, poświęcony został nieprzyjemnemu uczuciu silnego przygnębienia. Seria trzynastu obrazów namalowana została czarnym akrylem, podczas gdy motyw przedstawienia wykonany został z użyciem połyskującej żywicy. Zabieg ten podkreślą grę planów oraz niepokojący, na poły pesymistyczny nastrój prac, kojarzonym z atmosferą sennego koszmaru, czy też onirycznej wizji.

Galeria Miejska we Wrocławiu – działająca od 1991 roku galeria sztuki, powołana przez miasto Wrocław. Działania Galerii obejmują prezentację polskiej i międzynarodowej sztuki oraz promocję sztuki rodzimej– w szczególności wrocławskich twórców – poza granicami kraju. W 2013 roku do życia powołana została Fundacja Galerii Miejskiej we Wrocławiu, której celem programowym stało się współtworzenie tożsamości europejskiej, poprzez aktywną promocję sztuki oraz zaznaczenie jej roli dla współczesnej edukacji. Do zadań Fundacji należy również pozyskiwanie finansowego wsparcia oraz promocja artystów w środowiskach biznesowych.

Zobacz wiecej zainwestuj w sztuke Button

LOGO fundacja

logo_GM_wersja pozytywowa

—————————————————————————————-

Marcelina Groń, S.P.Q.R, akryl na płótnie, 180 x 150 cm, 2015 r. (8600 PLN)

SPQR 180x150 akryl na plotnieMarcelina Groń to doktorantka wrocławskiej Akademii Sztuk Pięknych na wydziale Malarstwa i Rzeźby w pracowni rysunku prof. Darii Mileckiej. W latach 2011-2012 była stypendystką mediolańskiej Academia di Belle Arti di Brera, rok później stypendystką Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego. Dwukrotna laureatka Stypendium Rektora Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu dla najlepszych studentów (2012-2013, 2013-2014). W roku 2013 otrzymała stypendium Prezydenta Miasta Wrocławia na rok akademicki 2013/2014, Grand Prix w konkursie Nagroda Artystyczna Galerii Dominikańskiej „Nowoodkryta” oraz wyróżnienie honorowe w Konkursie malarskim „Postawy” we Wrocławiu. W roku 2014 obroniła dyplom magisterski w pracowni prof. Krzysztofa Skarbka w Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu, któremu w ramach VI Interdyscyplinarnego Festiwalu Sztuk 2014 przyznano nagrodę artNoble dla najlepszego dyplomu publicznych uczelni artystycznych. Prezentowane dzieło przedstawia starorzymską monetę, z zarysem współczesnej kobiety, co ma unaoczniać zjawisko ciągłego przenikania się teraźniejszości z przeszłością. Artystka zauważa, że synkretyzm pozostaje nierozerwalną częścią naszej kultury. S.P.Q.R powstał z nazwy Senatus Populusque Romanus – łacińskiej formuły oznaczającej „senat i lud”. Formuła ta stanowiła w starożytności oficjalną nazwę Imperium Rzymskiego, a skrót SPQR, spełniał funkcję godła państwowego oraz pojawiał się m.in. na monetach okresu republiki, sztandarach i pomnikach. Praca powstała na potrzeby wystawy „Poziomy znaczeń” w Food Art Gallery we Wrocławiu i do tej pory nie była eksponowana .

Food Art Gallery – pierwsza w Polsce inicjatywa artystyczno-restauracyjna, w której galeria sztuki współczesnej została połączona z restauracją aspirującą do klasy fine dining. Obrazy uznanych i młodych twórców oraz wysokiej klasy kulinarne dzieła sztuki prezentowane są w ramach jednej niecodziennej i luksusowej przestrzeni. Wystawy, podobnie jak karty dań, są regularnie zmieniane, a sama galeria stara sie wspierać również lokalne talenty. Właścicielką i inicjatorką Food Art Gallery jest Anna Gendaj.

Zobacz wiecej zainwestuj w sztuke Button

image001

—————————————————————————————-

Robert Szczebiot, Ambicja, olej na płótnie, 110 x 110 cm, 2013 r. (7500 PLN )

AmbicjaRobert Szczebiot urodził się w 1987 roku w Białymstoku. Jest absolwentem Akademii Sztuk Pięknych im. Jana Matejki w Krakowie. Dyplom obronił w pracowni litografii pod przewodnictwem dr hab. Piotra Panasiewicza. Pomimo młodego wieku na stałe wpisał się już w krajobraz polskiej sztuki współczesnej, m.in. jako finalista prestiżowego konkursu Artystyczna podróż Hestii. Interesuje się problemami technicznymi i technologicznymi dotyczącymi malarstwa, które wykorzystuje tworząc swe nadrealne światy. Dzieła Szczebiota funkcjonują na granicy snu i jawy. Ilustracyjny sposób malowania artysty spotyka się często z rozbudowanymi fakturami płótna oraz wielowarstwowymi laserunkami. W twórczości Roberta Szczebiota odnaleźć można próbę przedstawienia subtelności ludzkiej natury. Postać ludzka pozostaje niejednoznaczna, niedookreślona, osadzana w fantastycznej rzeczywistości. Istotne okazują się być działanie i aktywność, momentami przyjmujące charakter fatalistyczny – oto człowiek ograniczony przez swoją popędliwość, stara się odnaleźć swoje miejsce we wszechświecie oraz poznać własną istotę. Pozorny dualizm przedstawienia w rzeczywistości jest finezyjnym aktem łączenia tego, co ludzkie i poza-ludzkie. Prace Roberta Szczebiota ukazują pragnienie zrozumienia emocji granicznych, a przez to tak bardzo ludzkich. Okraszone szczyptą tajemnicy zachęcają odbiorcę do wejścia w magiczny świat poszukiwań i konfrontacji z samym sobą.

Galeria Sztuki Dagma Art – galeria specjalizująca się w malarstwie współczesnym, współpracująca z uznanymi oraz młodymi przedstawicielami polskiego świata sztuki. Galeria zapewnia kompleksową obsługę w zakresie doboru dzieł sztuki do wnętrza, oraz budowę kolekcji dzieł sztuki o określonej wartości estetycznej oraz potencjale inwestycyjnym. Dagma Art odpowiada na potrzeby najbardziej wymagających klientów, realizuje zamówienia portretowe, oraz zamówienia na obrazy w określonym formacie, kolorystyce i tematyce.

Zobacz wiecej zainwestuj w sztuke Button

dagma art logo

—————————————————————————————-

Zdzisław Majrowski-Meyro, Wschód słońca, olej na płótnie, 100 × 80 cm, 1997 r. (8000 PLN)

Wschod slonca Zdzislaw Majrowski Meyro Galeria Blue-S WarszawaZdzisław Majrowski, tworzący również pod pseudonimem Constantin Meyro, to wzorujący się na Paulu Cezanne i Franzu Kokoschce malarz średniego pokolenia, którego kariera rozpoczęła się głośną wystawą w Monachium w 1981 roku („Pastisze XVII-wiecznego malarstwa). Obecny na rynku od 40 lat. Malarstwo studiował w pracowni prof. Jana Lisa, warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych. Kojarzony jest przede wszystkim z wielkoformatowym malarstwem figuratywnym oraz swobodą twórczą w zakresie doboru techniki ekspresji – od płaskich monochromatycznych kompozycji aż do kontrastowych impastów i reliefów. Malarstwo Zdzisława Majrowskiego znajduje się w wielu prywatnych kolekcjach w Europie, Ameryce i Japonii, m.in. w kolekcjach takich instytucji, jak Deutsche Bank oraz Berlinische Leben. Wystawiał m.in. w Paryżu, Kijowie, Nowym Jorku i Londynie. Jest jedynym polskim artystą rekomendowanym przez angielski miesięcznik biznesowy „Funds Europe”. Abstrakcje sygnowane przez Majrowskiego znajdują szerokie grono odbiorców wśród indywidualnych kolekcjonerów oraz architektów wnętrz (jako uzupełnienie prestiżowych wnętrz o chłodnej kolorystyce). Krytycy zwracają również szczególną uwagę na unikalny, obfity sposób nakładania farby.

Blue-S – warszawska galeria sztuki współczesnej, powstała w 2004 roku. Galeria oferuje unikatowe prace artystów z Polski i regionu Europy środkowo-wschodniej oraz świadczy usługi renowacji i oprawy obrazów. Są to prace zarówno dekoracyjne, jak i dzieła o wysokim potencjale inwestycyjnym (posiadają certyfikat oryginalności). Galeria jest również aktywnym animatorem warszawskiego środowiska artystycznego, bierze udział w targach sztuki o międzynarodowym charakterze.

Zobacz wiecej zainwestuj w sztuke Button

MlodaGaleria_logo3

—————————————————————————————-

Borys Makary, fotografia z cyklu „They were”, praca malowana ręcznie, unikalna odbitka, 40 x 25 cm, 2011 r. (Zapytaj o cenę)

they_were_1Borys Makary, fotograf urodzony w 1977 r. w Polsce. Zajmuje się fotografią konceptualną, kreacyjną, komentującą rzeczywistość. W jego projektach zauważalne jest zainteresowanie naturą człowieka, choć skupia się na pracy z kobietami. Poszukuje ciekawych i intrygujących metod obrazowania. Absolwent fotografii na Wydziale Komunikacji Multimedialnej Uniwersytetu Artystycznego w Poznaniu. Uczył się fotografii mody od Milesa Aldridge’a oraz w International Center of Photography w Nowym Jorku. Był asystentem fotografa mody Richarda Warrena. Swoje prace wystawiał w Paryżu, m.in. na wystawie FOTOFEVER w Luwrze, oraz w Paryskiej Galerii NUE. Fotografie artysty prezentowane były również na festiwalu WeArt w Barcelonie, Photo Independent w Los Angeles, oraz na wielu wystawach krajowych. Otrzymał liczne międzynarodowe nagrody na konkursach fotograficznych w USA i w Europie, w tym trzy medale na Prix de la Photographie Paris 2013. Prezentowana fotografia pochodzi z cyklu „They were”, prezentującego negatywy, w których zawiera się historia kilku kobiet. Każde dzieło pokrywają znaki i symbole  charakteryzujące postać przedstawioną na zdjęciu. Graficzne obrazy, ręcznie malowane przez autora, intrygują i zatrzymują odbiorcę, skłaniając go do analizy złożonych „wzorów” osobowości. Borys Makary pozostawia widzowi liczne niedomówienia oraz swobodę w odczytaniu znaczeń swoich prac. Cykl „They were” został pokazany na wystawie FOTOFEVER w muzeum LUWR, jak i w paryskiej galerii NUE. Zdobył pierwsze miejsce w kategorii Fine Art – Nude w międzynarodowym konkursie Prix de la Photograpie Paris (PX3). Wystawa „They were” prezentowana będzie we wrześniu w Ney Gallery&Prints.

Ney Gallery&Prints pełni rolę przestrzeni artystycznej i kolekcjonerskiej, łączącej doświadczenie i autorytet znanych i cenionych twórców, z młodymi, elektryzującymi postawami twórczymi. Galeria prezentuje sztukę niekonwencjonalną i klasyczną, zajmuje się sprzedażą fotografii i malarstwa. Za pośrednictwem galerii nabyć można prace m.in. Ryszarda Horowitza, Chrisa Niedenthala, Lidii Popiel, Janusza Foglera, Katarzyny Stanny, Tomasza Sikory, Tomasza Tomaszewskiego, Krzysztofa Gierałtowskiego, Jowity Mormul. Ney Gallery&Prints prowadzi także pracownię wydruków fotograficznych wielkoformatowych, gdzie klient ma możliwość przekonać się, że tworzenie sztuki to także umiejętność przenoszenia jej na różnego rodzaju podłoża artystyczne. Ney Gallery&Prints oferuje także wykonanie fotografii do aranżacji wnętrz.

Zobacz wiecej zainwestuj w sztuke Button

logo-1

—————————————————————————————-

Rafał Rudko, Kuszenie Brutusa, olej na płótnie, 89 x 116 cm, sygnowany, 2015 r. (6100 PLN)

rafal rudko kuszenie brutusaRafał Rudko urodził się w 1987 r., mieszka i pracuje w Warszawie. Studiował architekturę na Politechnice Warszawskiej (dyplom magisterski 2014 r., obecnie kończy studia magisterskie na warszawskim ASP). Od 2008 r. zajmuje się profesjonalnie malarstwem. Uczestniczył w licznych wystawach indywidualnych, zbiorowych oraz w plenerach malarskich w Polsce i za granicą. Brał udział w kilkunastu konkursach malarskich, otrzymując nagrody i wyróżnienia. Od 2010 r. uczy rysunku i malarstwa. W 2013 r. założył własną pracownię i szkołę malarstwa akwarelowego. W ostatnich latach eksperymentuje, łączy techniki i poszukuje nowych rozwiązań, czego efektem są między innymi rzeźby tworzone za pomocą 3D-Pen’a i nowoczesne podejście do tradycyjnej techniki akwarelowej. Jego prace można oglądać w galerii Dom Koncepcji w Warszawie oraz w Internecie. „Kuszenie Brutusa” pochodzi z serii obrazów przedstawiającej buldoga angielskiego, w których artysta postanawia nawiązać dialog z dawnymi mistrzami, pół żartem, pół serio modyfikując ich najbardziej znane dzieła i wplatając w ich historię uwielbionego przez artystę psa. Obrazy mają żartobliwy charakter, pozbawione są pompatyczności. Manifestuje się w nich prześmiewczy, ironizujący język artystyczny Rudko. Co ciekawe buldog jest jednym z motywów przewodnich w twórczości artysty. Pojawia się m.in. w serii rzeźb „Zootechnologia” która porusza zagadnienia z obszaru zootechniki, bastardyzacji, hybrydyzacji, a przede wszystkim zakresu ludzkiej ingerencji w proces tworzenia życia i manipulacji nim (buldogi są jedną z najbardziej zmodyfikowanych przez człowieka rasą psów)

Dom Koncepcji – usytuowana w centrum Warszawy niezależna galeria sztuki współczesnej, współpracująca z uznanymi twórcami oraz poszukująca uzdolnionych artystów. Jej właścicielem jest Marek Ajnenkiel – koneser sztuki oraz doświadczony doradca i mentor specjalizujący się interdyscyplinarnym doradztwie, wykraczającym poza rynek sztuki. W galerii można nabyć prace m.in. prof. Tomasza Myjaka, prof. Błażeja Ostoi Lniskiego, dr Michała Staszczaka, Rafała Rudko, Szawła Płóciennika, Misi Konopki, Agnieszki Butkowskiej, Janiny Jasińskiej, Pawła Zakrzewskiego oraz Piotra Dąbrowskiego. Galeria realizuje indywidualne zamówienia kolekcjonerskie oraz organizuje cykliczne kameralne  targi sztuki „Art Sunday”.

Zobacz wiecej zainwestuj w sztuke Button

Logo

—————————————————————————————-

Michał Staszczak, Twierdza, rzeźba, aluminium patynowane, egzemplarz pojedynczy, 42 x 63 cm, (w ramie wykonanej przez artystę około 63 x 84 cm), sygnowana, 2013 r. (5300 PLN)

michal staszczak twierdzaMichał Staszczak ur. w 1979 r. we Wrocławiu, jest absolwentem Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta, obecnie również pracownik dydaktyczny tej uczelni. W 2012 r. obronił tytuł doktora. Członek wrocławskiego okręgu ZPAP. Autor m.in. statuetki Wrocławskiej Nagrody Poetyckiej Silesius, Statuetki Prezydenta Miasta Wrocławia oraz rzeźby „Krokodyla” dla Teatru Kalambur we Wrocławiu. Organizator Festiwalu Wysokich Temperatur – imprezy artystycznej integrującej dyscypliny sztuki wykorzystujące ogień w procesie twórczym. Za wybitne osiągnięcia został uhonorowany Stypendium Ministra Kultury, Stypendium Samorządu Wrocławia oraz Stypendium Zarządu Województwa Dolnośląskiego. W 2012 r. otrzymał Nagrodę ZPAP, a w 2014 praca „Ursus i odyseja” znalazła się wśród trzynastu finalistów międzynarodowego konkursu Vanna Migliorin we Włoszech. Jego prace znajdują się w zbiorach prywatnych w kraju i za granicą. Modele swoich prac tworzy z wykorzystaniem przedmiotów znalezionych, z których ściąga formy gipsowe, wykonuje odlewy z wosku i łączy je w nowy obiekt. Tak powstała praca jest finalnie odlewana z metalu – brązu, aluminium lub żeliwa. Autor świadomie wybiera ten materiał, ponieważ w jego trwałości dostrzega możliwość zatrzymania na chwilę upływającego czasu i nadania materii ustalonego przez niego ładu. W skomplikowanym procesie odlewniczym artysta uczestniczy od początku do końca; prace są zatem w pełni autorskie i unikatowe. Dzieła Michała Staszczaka to surrealistyczne asamblaże, silnie nawiązujące do poetyki snu, odkrywające nowe wymiary rzeczywistości. Praca pt. „Twierdza”, wykonana z aluminium, jest kontynuacją serii płaskorzeźb nazywanych przez autora „Presjami”, które powstają w procesie wyciskania przedmiotów w masie formierskiej.

Dom Koncepcji – usytuowana w centrum Warszawy niezależna galeria sztuki współczesnej, współpracująca z uznanymi twórcami oraz poszukująca uzdolnionych artystów. Jej właścicielem jest Marek Ajnenkiel – koneser sztuki oraz doświadczony doradca i mentor specjalizujący się interdyscyplinarnym doradztwie, wykraczającym poza rynek sztuki. W galerii można nabyć prace m.in. prof. Tomasza Myjaka, prof. Błażeja Ostoi Lniskiego, dr Michała Staszczaka, Rafała Rudko, Szawła Płóciennika, Misi Konopki, Agnieszki Butkowskiej, Janiny Jasińskiej, Pawła Zakrzewskiego oraz Piotra Dąbrowskiego. Galeria realizuje indywidualne zamówienia kolekcjonerskie oraz organizuje cykliczne kameralne  targi sztuki „Art Sunday”.

Zobacz wiecej zainwestuj w sztuke Button

Logo

—————————————————————————————-

Dušan Kállay, Sen zegarmistrza Jana, akwaforta i sucha igła, 60 x 39,5 cm, 1983 r. (385 EUR)

Dusan_KalaySystem_Rybieho_Stroja_N.7_1983_F1A5361Dušan Kállay urodził się 19 czerwca 1948 r. w Bratysławie. W latach 1966-1972 studiował w Bratysławskiej Akademii Sztuk Pięknych. Niedługo po ukończeniu szkoły zdobył pierwsze międzynarodowe wyróżnienia za ilustracje: Złote Jabłko BIB ’73, Złote Jabłko BIB ’75, a w 1983 r. Grand Prix BIB ’83 za ilustracje do książki autorstwa Lewisa Carrolla „Alicja w Krainie Czarów”. Zdobył wiele nagród za twórczość w dziedzinie grafiki, ilustratorstwa i projektowania znaczków pocztowych. Jego prace prezentowano na ok. 140 wystawach indywidualnych na terenie Słowacji i za granicą, często wraz z dorobkiem małżonki Kamili Štanclovej. Obecnie prowadzi Wydział Grafiki i Ilustracji Książkowej w Akademii Sztuk Pięknych w Bratysławie. W 1994 r. otrzymał tytuł profesora w dziedzinie grafiki. Żyje i pracuje w Bratysławie. Prace Kállaya prezentują swoistego rodzaju horror vacui. Porządek jaki wyłania się z tych pozornie chaotycznych prac przywodzi na myśl skrupulatnie skonstruowane mechanizmy, przypominające chociażby, tak jak w niniejszej pracy, złożoność zegarów. Precyzja mechaniki łączy się z systematyką organizmów żywych, do którego to mikroświata nierzadko bratysławski grafik nawiązuje. Świat w pracach Kállaya jest całością, która przy bliższym oglądzie funkcjonuje dzięki rozmaitym, choć niewielkim mechanizmom.

Galeria Łazienna powstała po to, by służyć przestrzenią ekspozycyjną powołanej w kwietniu 2014 roku Fundacji Łazienna. Dotychczas Fundacja prężnie zajmowała się głównie wystawiennictwem, mając na uwadze propagowanie sztuki współczesnej, w szczególności malarstwa (projekt „Poza”, którego część była realizowana poza Poznaniem, został dofinansowany ze środków Samorządu Województwa Wielkopolskiego) oraz grafiki.

Zobacz wiecej zainwestuj w sztuke Button

 

LOGO_FUNDACJA_CMYK

—————————————————————————————-

Piotr Saul, Przebiśniegi, akryl i sprej na płótnie , szablon, 120 x 80 cm, 2014 r. (Zapytaj o cenę)

Piotr Saul, Przebiśniegi, 70 x 100 cm, olej i sprej na płótnie, 2015Piotr Saul to postać na polskiej scenie artystycznej niezwykła. Sztuki wizualne stanowią dla niego punkt wyjścia dla dalszych eksperymentów na gruncie muzycznych i teatralnym. Jak sam mówi, długo poszukiwał ujścia dla własnej kreatywności, po czym trafił pod skrzydła prof. Andrzeja Basaja, prof. Wiesława Gołucha oraz prof. Krzysztofa Skarbka – pedagogów i wykładowców Akademii Sztuk Pięknych im. E. Gepperta we Wrocławiu. Tam też w 2010 roku obronił dyplom z grafiki warsztatowej z dwoma aneksami: malarskim oraz multimedialnym. Popularność przyniosła mu w szczególności aktywność w formujących się dopiero środowiskach związanych ze sztuką uliczną, głównie street artu. Brał udział w takich programach telewizyjnych jak: You Can Dance oraz Mam Talent, gdzie wspólnie z zespołem Me Myself And I został okrzyknięty najbardziej nowatorskim artystą tamtej edycji program. Od 14 lat zajmuje się Beatboxem. Tworzy własne kompozycje muzyczne. Brał udział w wielu koncertach i festiwalach na terenie całego kraju m.in. – Era Nowe Horyzonty oraz SlotArt Festiwal. Można go również zobaczyć i usłyszeć w Teatrze Muzycznym Capitol we Wrocławiu. „Przebiśniegi” to realizacja, w której w sposób symboliczny ujęta została kondycja „przejmującego kontrolę” street artu i stopniowego otwierania się możliwości operowania sztuką w przestrzeni publicznej. Totemiczne probówki, w których miesza się intensywny kolor kolor i ornament, przecinają zimny i widocznie poddający się ich sile „stary ład” świata. Wymowny jest również czerwony kolor nieba zapowiadający intensywne zmiany.

Piotr Saul ur. w 1986 r. w Nowej Rudzie. Artysta wizualny, muzyk i tancerz, absolwent Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocław na wydziale Grafiki i Sztuki Mediów. Obecnie asystent w pracowni malarskiej prof. K . Skarbka na Wydziale Malarstwa i Rzeźby tejże uczelni. Członek ZPAP, Stowarzyszenia Młode Wilki oraz Grupy Kotlina Kru. Aktualnie zajmuje się ogólnie pojętym malarstwem, projektowaniem oraz organizacją wystaw, oscylujących wokół tematyki street artu i nie tylko.

Zobacz wiecej zainwestuj w sztuke Button

saul_logo copy

 

 

Piotr Saul w Katalogu Rynku i Sztuki

—————————————————————————————-

Justyna Pennards-Sycz, In the distance, akryl na płótnie, 120 x 160 cm, 2015 r. (Zapytaj o cenę)

Justyna Pennards-Sycz, In the distance, akryl na płótnie, 120 x 160 cm, 2015Justyna Pennards-Sycz zajmuje się malarstwem abstrakcyjnym, opartym na silnym kolorze. W roku 2014 reprezentowała Polskę w ramach Edynburgh Art Fair oraz jest jedną z nielicznych polskich artystek polecanych przez Saatchi Art. Swoje prace wystawiała m.in. w Holandii, Polsce, Niemczech oraz USA. Jest również pomysłodawczynią i współwłaścicielką Galerii i Fundacji Archipel w Amersfoort (Holandia). Prace Justyny Pennards-Sycz cechuje umiejętne operowanie przestrzenią obrazu – rozmytym, płaskim, nieprzeniknionym tłem oraz wyrazistym pierwszym planem, często wzbogacanym fakturą nakładanej warstwowo farby. Podejście to ukazuje głębokie przywiązanie do precyzyjnych wykończeń i ledwie dostrzegalnych detali, które uzupełniają dzieła i nadają im charakterystyczny i niezwykle sugestywny wyraz. Znaczenie ma nie tylko dobór barw, ale również tempo prowadzenia pędzla, jego chwyt i rodzaj. „In the distance” to jeden z obrazów wchodzących w skład cyklu „Cities”, w którym wielkomiejska urbanistyka staje się metaforą człowieka poszukującego własnej tożsamości, ciepła i bezpieczeństwa. Miasto Pennards-Sycz mieni się ferią barw, wzmocnionych dodatkowo przez połyskujące odbicia neonowych szyldów w miejskiej stali, szle czy w nasiąkniętym deszczem betonie. Podczas gdy figuratywność ograniczona zostaje do minimum, rolę przewodnika po wielkoformatowych płótnach przejmuje światło. To ono właśnie prowadzi widza, pozostając prawdopodobnie najważniejszym wyznacznikiem stylu artystki. Pennards-Sycz zwraca nam uwagę, że tak jak miasto po zmroku przyjmuje różne oblicza, tak i nam pisane są trudne chwile, nieoznaczoność i kręte ścieżki. W mroku nocy zawsze jednak można znaleźć światło, które nas poprowadzi, zauroczy, czy ukoi. Obraz prezentowany był w ramach sierpniowej wystawy we Wrocławiu pt. „Światła miasta”.

Justyna Pennards-Sycz – studia ekonomiczne na Westfalskim Uniwersytecie Wilhelma w Münsterze oraz artystyczne (specjalizacja: malarstwo) w Wyższej Szkole Sztuk Pięknych Hogeschool voor de Kunsten w Utrechcie. Project manager oraz specjalista ds. komunikacji wewnętrznej. Od 2005 roku malarka w duchu abstrakcjonizmu. Działaczka i współwłaścicielka Galerii i Fundacji Archipel w Amersfoort. Mieszka i pracuje w Holandii.

Zobacz wiecej zainwestuj w sztuke Button

logo-justyna-5w

Justyna Pennards-Sycz w Katalogu Rynku i Sztuki

—————————————————————————————-

Wojciech Tut Chechliński, Oczekiwanie, olej na płótnie, 100 x 70 cm, sygnowany (kat. 071), 2012 r. (Zapytaj o cenę)

Wojciech Tut Chechliński, Oczekiwanie, olej na płótnie, 100 x 70 cm, 2012 r, sygnowany (kat. 071)Wojciech Tut Chechliński jest warszawskim artystą-malarzem, który zaczynał tworzyć jeszcze w dzieciństwie. Niezwykła jest historia rodzinnej kolekcji dzieł sztuki, która zawierała prace m.in. Tytusa Czyżewskiego, Wacława Taranczewskiego, Jana Cybisa czy Józefa Pankiewicza. Artysta stroni od jednoznacznego identyfikowania się z konkretnym nurtem artystycznym. Aktualnie zajmuje się tworzeniem kolejnych obrazów w zaciszu własnej pracowni. Jego twórczość stanowi jednak rodzaj kompromisu pomiędzy dokonaniami kubistów, w szczególności Georgesa Braque’a oraz szeroko rozumianych prymitywistów, spychanych dziś na margines oficjalnego nurtu sztuki. Chechliński zrywa z osiągnięciami sztuki iluzorycznie odzwierciedlającej rzeczywistość. Pozostaje on twórcą spontanicznym, odrzucającym perspektywę i poszukującym sensu obserwowanego świata w jego zgeometryzowanej parafrazie. Jest to twórca operujący silnym, nakładanym warstwowo kolorem. „Oczekiwanie” ukazuje stosunek artysty względem życia oraz sztuki, w którym rzeczywistość staje się poczekalnią dla twórczych dusz. Wspomniany przystanek między narodzinami oraz śmiercią jest pojmowany jako czas przygotowania do pozostawienia po sobie wartościowego wspomnienia, w czym upatrywany jest sens ludzkiego istnienia.

Wojciech Tut Chechliński – artysta malarz, od kilkudziesięciu lat budujący własną wizję świata odwołującego się do wyobraźni widza. Jego malarstwo – formalnie bliskie dokonaniom kubizmu, abstrakcjonizmu oraz art brut – cechuje szeroka gama kolorystyczna, syntetyzm twórczy oraz mniejsza skala deformacji. Żyje i pracuje w Warszawie.

Zobacz wiecej zainwestuj w sztuke Button

logo tut chechlinski

Wojciech Tut Chechliński w Katalogu Rynku i Sztuki

—————————————————————————————-

Maciej Olekszy, W lesie, atrament, papier naklejony na płótno, 50 x 50 cm, 2011 r. (Zapytaj o cenę)

35. W lesie – atrament, papier naklejony na płótno 50x50cm 2013r. Maciej OlekszyO Macieju Olekszym na łamach Rynku i Sztuki pisała niedawno Joanna Mazur („Potrzeba jest powodem” – rozmowa z Maciejem Olekszym). Artysta pochodzi z Poznania, gdzie studiował na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu (dyplom w Pracowni Malarstwa profesora Jana Świtki). Uczestnik kilkudziesięciu wystaw indywidualnych oraz zbiorowych. Laureat Salted Candy 2009 przyznawanej przez Poznańską Galerię Nowa i Stowarzyszenie Twórcze Nowa Nowa. Twórczość Olekszego porównywana jest ze sposobem obrazowania Josepha Beuys’a oraz Francisa Bacona, głównie za sprawą prymatu idei ponad obiektem, swobodnego operowania operowania szeroką plamą oraz myśli światłem, czy też temperaturą koloru. Wspólne jest również podejście wspomnianych artystów do sztuki jako takiej – ich zdaniem potrzeba twórczości cechuje wszystkich ludzi i wszystkie dziedziny życia. W swoich pracach Olekszy penetruje kondycję współczesnego człowieka, w szczególności jego cechy i szczegóły, ujęte w pewnym uproszczeniu, wskazujące na trawiący go dramat egzystencjalny. Prezentowane dzieło – „W lesie”, pochodzące z cyklu prac pt. „Konterfekt” – powstało na bazie starego zdjęcia rodzinnego, które przedstawia daleką krewną artysty w dniu przyjmowania pierwszej komunii świętej. Rytuał religijny i ważny w kulturze katolickiej akt pogłębienia swojej zażyłości z Bogiem, ukazany zostaje niczym pocztówka z przeszłości – wspomnienie ważnej decyzji, która podjęta zostaje literą kościoła, nie decyzją samego człowieka. Olekszy dotyka w tym wypadku problemu ludzkiej decyzyjności, narzucania zachowań przyjętych w danej kulturze za normę, jednak niekoniecznie zbieżnych z wolą człowieka i potrafiących skutecznie pozbawić go głosu. Sytuacja ta wydaje się jeszcze wyraźniejsza dzięki kontrastującym tłem i odświętnym strojem dziecka.

Maciej Olekszy – studia na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu. Dyplom w Pracowni Malarstwa profesora Jana Świtki. Zajmuje się malarstwem, głównie w technice akwarelowej. Laureat Salted Candy 2009.

Zobacz wiecej zainwestuj w sztuke Button

znak-maciej-olekszy-png-150x150

Maciej Olekszy w Katalogu Rynku i Sztuki

—————————————————————————————-

Fot. (góra) Jan Michał Szewczyk, Kolorowy zawrót głowy, Plastida 2, Ale wczesna wiosna, , akryl na płótnie, 200 x 50 cm, 2009-2012 r. Obraz składa się z samodzielnych części z możliwością indywidualnej kompozycji, źródło: Salon Sztuki

Portal Rynek i Sztuka

LOGO RiSi

 

szukaj wpisów które mogą Cię jeszcze zainteresować:

Dodaj komentarz:

Twój adres email nie zostanie opublikowany. Pola, których wypełnienie jest wymagane, są oznaczone symbolem *

Rabort Rynek i Sztuka

Raport Rynek Sztuki 2016

Szósta edycja Raportu Rynek Sztuki, przygotowana przez redakcję największego serwisu dla kolekcjonerów i inwestorów – Rynekisztuka.pl

Zobacz więcej Pobierz (pdf)
MENU: