Zainwestuj w sztukę: październik 2015

Po wakacyjnej przerwie wracamy z kolejną odsłoną cyklu „Zainwestuj w Sztukę”, by nadal, co miesiąc, prezentować zestawienia prac cieszących się rosnącą popularnością na rynku sztuki oraz najlepsze galerie polskiego rynku artystycznego. Szacuje się, że udział tzw. sztuki młodej w obrocie dziełami sztuki na polskim rynku stanowi obecnie prawie 50%. Interesują się nimi nie tylko kolekcjonerzy, ale i inwestorzy, dla których sztuka dawna pozostaje zbyt kosztowna. To właśnie młoda sztuka pozostaje obszarem, który daje możliwość największego zysku. Z tego też powodu, raz w miesiącu, przedstawimy Państwu zestawienie kilkunastu prac polskich twórców, oferowanych przez czołowe galerie sztuki, które naszym zdaniem stanowią atrakcyjny obiekt inwestycyjny.

Pobierz „Zainwestuj w sztukę: październik 2015”

Tomasz Kołodziejczyk, Ławki, akryl na płótnie, 80 x 80 cm, 2012 r. (3600 PLN)

Tomasz Kołodziejczyk zajmuje się malarstwem, rysunkiem i malarstwem ściennym. Absolwent wydziału Malarstwa i Grafiki Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku. Dyplom z wyróżnieniem obronił w pracowni prof. Mieczysława Olszewskiego w 2003 r. W latach 2001-2002 stypendysta Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego. Swoje prace wystawiał m.in. w Saltzburgu, Wiedniu, Innsbrucku, Warszawie i Gdańsku, gdzie mieszka i pracuje obecnie. Artysta tworzy syntetyczne, pełne wrażliwości pejzaże, których marynistyczna tematyka staje się pretekstem do opowiadania o symetrii, przestrzeni i pięknie przybrzeżnych krajobrazów. Kołodziejczyk postrzega przedmioty swojego otoczenia w sposób indywidualny. Często przedstawia jedynie fragment przestrzeni, który staje się punktem centralnym płótna. W „Ławkach“ patrzymy na nadmorskie, ciągnące się w nieskończoność siedzisko, rozdzielone zejściem. Nie byłoby w tym nic dziwnego gdyby nie nienaturalna wręcz foremność przedstawienia. Zaczynamy podejrzewać, że ulegamy złudzeniu optycznemu.

SalonSztuki.net jest kuratorską przestrzenią online. Galeria sprzedaje wyselekcjonowane prace młodych i uznanych twórców. Ich doskonały warsztat i rzeczywiste nowatorstwo przyczyniają się do tworzenia nowych nurtów w polskiej sztuce. Doświadczenie, wiedza i monitorowanie rynku talentów umożliwia kreowanie trendów w sztuce najnowszej. Zakupy zgodne z osobistymi upodobaniami estetycznymi, możliwość rozwijania zainteresowań sztuką i kontakt z projektantami wnętrz – to gwarancja profesjonalnego doboru dzieła sztuki zarówno do określonej przestrzeni, jak i do portfela inwestycyjnego.

—————————————————————————————-

Weronika Raczyńska, Szary, olej na tekturze, 70 x 100 cm, 2014 r. (6915 PLN)

Weronika Raczyńska studiowała na Wydziale Malarstwa w Europejskiej Akademii Sztuk w Warszawie (dyplom w 2002 roku). W 2010 roku ukończyła studia podyplomowe na Wydziale Malarstwa w Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie. W 2003 roku uzyskała nominację do nagrody na IV Triennale Autoportretu im. Jacka Malczewskiego. W 2007 roku obraz jej autorstwa uzyskał najwyższe notowanie aukcyjne na II Aukcji Dzieł Sztuki Okręgu Warszawskiego Związku Polskich Artystów Plastyków. Brała udział w prawie 100 wystawach indywidualnych i grupowych, m.in. w Polsce, we Francji, w Niemczech, na Słowacji, w Szwajcarii i we Włoszech. Jej prace można znaleźć m.in. w kolekcji byłego prezydenta Rzeczypospolitej Polskiej Aleksandra Kwaśniewskiego. Mieszka i pracuje w Warszawie. Artystka interesuje się relacją jaka zachodzi między strukturą dzieła sztuki – jego fizyczną reprezentacją, a treścią i znaczeniem jakie się w nim zawiera. „Szary“ jest wizją pochmurnej rzeczywistości nałożonej na krajobraz zieleni. Geometryczne formy oraz mało wyrazisty kolor nie pozwalają jednoznacznie określić czasu, ani przestrzeni. Las, zarośla, dywan kwiatów? Raczyńska przyzwyczaiła nas do korzystania z fotografii, które przenosi na płótno w sposób jedynie ocierający się o figuratywność. Stąd wieloznaczność, która staje się częścią przeżycia estetycznego.

SalonSztuki.net jest kuratorską przestrzenią online. Galeria sprzedaje wyselekcjonowane prace młodych i uznanych twórców. Ich doskonały warsztat i rzeczywiste nowatorstwo przyczyniają się do tworzenia nowych nurtów w polskiej sztuce. Doświadczenie, wiedza i monitorowanie rynku talentów umożliwia kreowanie trendów w sztuce najnowszej. Zakupy zgodne z osobistymi upodobaniami estetycznymi, możliwość rozwijania zainteresowań sztuką i kontakt z projektantami wnętrz – to gwarancja profesjonalnego doboru dzieła sztuki zarówno do określonej przestrzeni, jak i do portfela inwestycyjnego.

—————————————————————————————-

Marcin Rząsa, Bez tytułu, drewno, 2008 – 2015 r. (2400 PLN)

Marcin Rząsa to artysta rzeźbiarz, syn jednego z najlepiej rozpoznawalnych polskich rzeźbiarzy w drewnie lat 60. XX wieku – Antoniego Rząsy. Artysta studiował w Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie, skąd przeniósł się do Warszawy, kontynuując naukę w pracowni prof. Jana Kucza. Dyplom pod kierunkiem prof. Grzegorza Kowalskiego obronił w 1991 roku. W latach 1994-1995 studiował w Bratysławie w VSVU w pracowni J. Jankovica. Mieszka i pracuje w Zakopanem, gdzie wraz z żoną Magdą Ciszewską-Rząsą prowadzi Galerię Antoniego Rząsy. Od czasu ukończenia studiów swoje prace pokazywał m.in w Instytutach Polskich: w Berlinie, Bratysławie i Rzymie, a także w BWA w Szczecinie, Olsztynie, Zakopanem, Suwałkach, Gorlicach, w Centrum Rzeźby Polskiej w Orońsku, w prywatnych galeriach w Zakopanem, Warszawie, Krakowie, Berlinie, Szydłowcu, Zutphen (Holandia), Rosenheim (Niemcy). Uczestniczył w plenerach artystycznych w Taylla (Węgry), Cap Arcona (Niemcy), Zakopanem i Gorlicach. Jest autorem statuetek przyznawanych autorom filmów na Spotkaniach z Filmem Górskim w Zakopanem. Marcin Rząsa w odmienny sposób opowiada o człowieku i jego związkach z naturą. W drewnie powstają zarówno jego małe jak i duże rzeźby, przedstawiające „z grubsza ociosane“ ludzkie figury, z których głów raz wyrastają pnącza, czy korzenie, kiedy indziej skubizowane formy. Artysta nie tytułuje swoich prac. Te łączone z organicznymi kształtami pochodzą z 2009 roku i nawiązują do dialogu, który autor podjął ze słowackim fotografem, Robo Kocanem. Rzeźby Rząsy emanują spokojem, naiwnością, ciepłem. Są bezpretensjonalne, proste, minimalistyczne, świadomie przez autora niedopowiedziane, by pobudzały wyobraźnię i służyły nowym interpretacjom.

101 Projekt – należąca do Barbary Elżanowskiej-Rutherford prywatna galeria sztuki współczesnej, oferująca również doradztwo w zakresie tworzenia i rozwijania kolekcji dzieł sztuki. Galeria jest członkiem Stowarzyszenia Antykwariuszy i Marszandów Polskich (SAiMP) i Międzynarodowej Unii Antykwarycznej (CINOA). Oddział stacjonarny, oferujący fotografie, grafiki, rysunki, obrazy i rzeźby, zlokalizowany jest w Warszawie przy ul. Nowy Świat. Galeria współpracuje z takimi artystami, jak: Paweł Pierściński, Marcin Rząsa, Tomasz Tomaszewski, Tomek Sikora, Mateusz Sikora, Krystyna Nowakowska, Grzegorz Gwiazda, Katarzyna Kalua Kryńska, Anita Andrzejewska, Joanna Chudy, Wioletta Jaskólska, Katarzyna Goldyn, Magdalena Shummer-Fangor, Agnieszka Sandomierz, Krzysztof Ostrzeszewicz.

—————————————————————————————-

Miłosz Flis, Akryl, odlew z poliestru, emalia, 1 x 1 x 0.5 m, 2012 r. (18000 PLN)

Miłosz Flis urodził się w 1986 roku w Lublinie. Początkowo związany był z tamtejszą uczelnią, następnie rozpoczął studia na Wydziale Rzeźby Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu. W 2012 roku obronił dyplom z rzeźby w pracowni prof. Janusza Kucharskiego. Jest twórcą niestandardowych rzeźb, obrazów i instalacji, wykonywanych w rzadko stosowanych technikach, niemal na granicy formalnego i technologicznego eksperymentu. Flisowi udało się rozwinąć bardzo charakterystyczny język formalny z szeregiem cech szczególnych z zakresu: skali, skłonności do deformacji, intensywnego koloru, organiczności form i kombinacji przypadkowych obiektów. Fascynuje go manipulacja skalą, niedomówienie, działania intuicyjne i podświadome. Większość jego rzeźb powstaje za sprawą fascynacji perfekcją i oczywistością przypadkowej formy. Formy, która jest przelotna i niemal niezauważalna w jej oryginalnym środowisku i naturalnej skali. Rzeźba Akryl stanowi wyjątkową pracę w dorobku artysty, gdyż zwykle twórca dąży do pomniejszenia rozmiaru zaobserwowanych form, a nie ich spotęgowania.

Galeria Miejska we Wrocławiu – działająca od 1991 roku galeria sztuki współczesnej, powołana przez miasto Wrocław. Działania Galerii obejmują prezentację polskiej i zagranicznej sztuki oraz jej promocję. Ważnym celem Galerii Miejskiej we Wrocławiu jest promowanie sztuki rodzimej, a  w szczególności wrocławskich twórców poza granicami kraju. Dyrektorem Galerii Miejskiej we Wrocławiu jest Mirosław Jasiński, historyk sztuki, dyplomata i twórca filmów dokumentalnych.

—————————————————————————————-

Marta Kubiak, Kosmiczny hultaj – przeobrażenie, serigrafia, 70 x 100 cm, 2011 r. (2400 PLN)

Marta Kubiak urodziła się w 1985 roku we Wrocławiu. Studiowała w Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu na Wydziale Grafiki i Sztuki Mediów. W 2009 roku obroniła dyplom z projektowania graficznego w pracowni prof. Eugeniusza Smolińskiego oraz grafiki warsztatowej w Pracowni Serigrafii prof. Christophera Nowickiego i Małgorzaty Warlikowskiej. Od 2009 roku jest również asystentką w tejże pracowni. W swojej pracy Kubiak poszukuje złotego środka pomiędzy nakładanymi warstwowo kolorami, obrazami i pociągnięciami farby – próbuje określić część wspólną własnej metody obrazowania, skojarzonej z codziennym życiem pełnym wrażeń i inspiracji. „Kosmicznego hultaj” jest dziełem powstałym na krótko przed fascynacją artystki ikonami popkultury, a w szczególności filmami z pogranicza sci-fi, w których główne wątku fabularne toczyły się wokół wielkich potworów. Nadal jednak mamy do czynienia z konfliktem i pewną wywrotowością, którą dostrzec można w stylistyce dzieła, korespondującej z nurtem graffiti i writingiem. Plama pozostaje barwna, nieco neonowa. Komiksowa, niepokorna kreska w istocie jest wielowarstwową historią przestrzeni, na tyle uniwersalną, że dającą się odnaleźć w każdej współczesnej przestrzeni.

Galeria Miejska we Wrocławiu – działająca od 1991 roku galeria sztuki współczesnej, powołana przez miasto Wrocław. Działania Galerii obejmują prezentację polskiej i zagranicznej sztuki oraz jej promocję. Ważnym celem Galerii Miejskiej we Wrocławiu jest promowanie sztuki rodzimej, a  w szczególności wrocławskich twórców poza granicami kraju. Dyrektorem Galerii Miejskiej we Wrocławiu jest Mirosław Jasiński, historyk sztuki, dyplomata i twórca filmów dokumentalnych.

—————————————————————————————-

Marcelina Groń, Wyspa, akryl na płótnie, 190 x 200 cm, 2014 r. (11700 PLN)

Marcelina Groń to doktorantka wrocławskiej Akademii Sztuk Pięknych na wydziale Malarstwa i Rzeźby w pracowni rysunku prof. Darii Mileckiej. W latach 2011-2012 była stypendystką mediolańskiej Academia di Belle Arti di Brera, rok później stypendystką Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego. Dwukrotna laureatka Stypendium Rektora Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu dla najlepszych studentów (2012-2013, 2013-2014). W roku 2013 otrzymała stypendium Prezydenta Miasta Wrocławia na rok akademicki 2013/2014, Grand Prix w konkursie Nagroda Artystyczna Galerii Dominikańskiej „Nowoodkryta” oraz wyróżnienie honorowe w Konkursie malarskim „Postawy” we Wrocławiu. W roku 2014 obroniła dyplom magisterski w pracowni prof. Krzysztofa Skarbka w Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu, któremu w ramach VI Interdyscyplinarnego Festiwalu Sztuk 2014 przyznano nagrodę artNoble dla najlepszego dyplomu publicznych uczelni artystycznych. Tytułowa „Wyspa” jest wyobrażeniem świata zamkniętego na skraju ludzkiej wyobraźni, gdzie inteligentne istoty porozumiewają się swoim własnym, niezrozumiałym dla człowieka językiem. Groń na kanwie charakterystycznego dla artystki języka artystycznego daje w ten sposób wyraz potrzebie powrotu do natury – znalezienia porozumienia człowieka ze światem innych istot żywych. Praca po raz pierwszy jest eksponowana na profesjonalnej wystawie w Food Art Gallery.

Food Art Gallery – pierwsza w Polsce inicjatywa artystyczno-restauracyjna, w której galeria sztuki współczesnej została połączona z restauracją aspirującą do klasy fine dining. Obrazy uznanych i młodych twórców oraz wysokiej klasy kulinarne dzieła sztuki prezentowane są w ramach jednej niecodziennej i luksusowej przestrzeni. Wystawy, podobnie jak karty dań, są regularnie zmieniane, a sama galeria stara się wspierać również lokalne talenty. Właścicielką i inicjatorką Food Art Gallery jest Anna Gendaj.

—————————————————————————————-

Ryszard Horowitz, Fake Dali, fotografia analogowa, ekspozycja pojedyncza, fotografię kolekcjonerską nabyć można w różnych formatach, 1970 r. (Zapytaj o cenę)

Ryszard Horowitz urodził się w Krakowie w 1939 roku. Studiował w Wyższej Szkole Sztuk Pięknych, a następnie w Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie. Dzięki pomocy jednego z amerykańskich uniwersytetów wyjechał do Nowego Jorku i rozpoczął studia na kierunku projektowania w Pratt Institute. Pracował dla wielu agencji, między innymi jako dyrektor artystyczny Grey Advertising. Jego pasja do fotografowania zaowocowała własnym studiem fotograficznym, które otworzył pod koniec lat ’60. Od tamtego czasu jego prace zyskały sobie uznanie na całym świecie. W 1983 roku uznano go Amerykańskim Fotografikiem Roku. Jest również prekursorem komputerowego przetwarzania fotografii i współzałożycielem amerykańskiego Stowarzyszenia Fotografików Reklamowych APA. „Fake dali” jest jedną z fotografii Hotrowitza dedykowanych surrealizmowi. Autor dorastał w Polsce, w czasach podporządkowanych idei wspólnej własności – komunizmowi – i związanych z tym „absurdów codzienności”, które dostarczyły mu nieskończonego źródła inspiracji. Fotograficzny język Horowitza to język przybliżeń i wyrażonych nie wprost myśli. Dzięki temu zachowuje on pewną specyficzną wrażliwość przestrzeni, plastyczność obrazu i mnogość czytelnych znaczeń, które jednak nie ocierają się o deskryptywność. Artysta wybiera pewne elementy i symbole różnych obszarów kultury i sztuki, łącząc je w zupełnie nowych konfiguracjach i z właściwym sobie wdziękiem.

Ney Gallery&Prints pełni rolę przestrzeni artystycznej i kolekcjonerskiej, łączącej doświadczenie i autorytet znanych i cenionych twórców, z młodymi, elektryzującymi postawami twórczymi. Galeria prezentuje sztukę niekonwencjonalną i klasyczną, zajmuje się sprzedażą fotografii i malarstwa. Za pośrednictwem galerii nabyć można prace m.in. Ryszarda Horowitza, Chrisa Niedenthala, Lidii Popiel, Janusza Foglera, Katarzyny Stanny, Tomasza Sikory, Tomasza Tomaszewskiego, Krzysztofa Gierałtowskiego, Jowity Mormul. Ney Gallery&Prints prowadzi także pracownię wydruków fotograficznych wielkoformatowych, gdzie klient ma możliwość przekonać się, że tworzenie sztuki to także umiejętność przenoszenia jej na różnego rodzaju podłoża artystyczne. Ney Gallery&Prints oferuje także wykonanie fotografii do aranżacji wnętrz.

—————————————————————————————-

Agnieszka Butkowska, Miejski horyzont III, olej na płótnie, 92 x 95 cm, 2013 r. (Zapytaj o cenę)

Agnieszka Butkowska urodziła się w Kętrzynie w 1986 roku. W 2012 roku obronila dyplom na Warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych w pracowni malarstwa prof. Krzysztofa Wachowiaka (aneks z technik malarstwa ściennego pod kierunkiem prof. Edwarda Tarkowskiego). Zajmuje się malarstwem i projektowaniem graficznym. Prace artystki można nazwać sztuką horyzontu – pozorne punkty załamania widnokręgu stają się pretekstem do opowieści o wolności, przestrzeni i ulotności. Butkowska maluje fotograficznie, oddając na płótnach pocztówkowe krajobrazy, pozbawione jednak szczegółowości lub operujące nim dla potęgowania wrażenia przestronności świata przedstawionego. Pojawiają się zatem sylwetki ludzkie, latarnie, dachy domów, malujące się w oddali jako jednokolorowe punkty. Minimalistyczny pozostaje również „Miejski horyzont III”, w którym odległość przedstawiona jest na kanwie kontrastującego niebieskiego nieba i ciemnych elementów miejskiej urbanistyki. Obraz jest statyczny, a obrazowana chwila zawieszona w czasie.

Dom Koncepcji – usytuowana w centrum Warszawy niezależna galeria sztuki współczesnej, współpracująca z uznanymi twórcami oraz poszukująca uzdolnionych artystów. Jej właścicielem jest Marek Ajnenkiel – koneser sztuki oraz doświadczony doradca i mentor specjalizujący się interdyscyplinarnym doradztwie, wykraczającym poza rynek sztuki. W galerii można nabyć prace m.in. prof. Tomasza Myjaka, prof. Błażeja Ostoi Lniskiego, dr Michała Staszczaka, Rafała Rudko, Szawła Płóciennika, Misi Konopki, Agnieszki Butkowskiej, Janiny Jasińskiej, Pawła Zakrzewskiego oraz Piotra Dąbrowskiego. Galeria realizuje indywidualne zamówienia kolekcjonerskie oraz organizuje cykliczne kameralne  targi sztuki „Art Sunday”.

—————————————————————————————-

Piotr Saul, Małpa rządzi, akryl i sprej na płótnie, 120 x 80 cm, 2014 r. (Zapytaj o cenę)

„Małpa rządzi“ jest obrazem otwierającym październikową ekspozycję pt. „Take Care“ w warszawskiej Galerii Kuratorium, o której pisaliśmy w tym tygodniu na łamach naszego serwisu. Piotr Saul to postać na polskiej scenie artystycznej niezwykła. Sztuki wizualne stanowią dla niego punkt wyjścia dla dalszych eksperymentów na gruncie muzycznych i teatralnym. Jak sam mówi, długo poszukiwał ujścia dla własnej kreatywności, po czym trafił pod skrzydła prof. Andrzeja Basaja, prof. Wiesława Gołucha oraz prof. Krzysztofa Skarbka – pedagogów i wykładowców Akademii Sztuk Pięknych im. E. Gepperta we Wrocławiu. Tam też w 2010 roku obronił dyplom z grafiki warsztatowej z dwoma aneksami: malarskim oraz multimedialnym. Popularność przyniosła mu w szczególności aktywność w formujących się dopiero środowiskach związanych ze sztuką uliczną, głównie street artu. Brał udział w takich programach telewizyjnych jak: You Can Dance oraz Mam Talent, gdzie wspólnie z zespołem Me Myself And I został okrzyknięty najbardziej nowatorskim artystą tamtej edycji program. Od 14 lat zajmuje się Beatboxem. Tworzy własne kompozycje muzyczne. Brał udział w wielu koncertach i festiwalach na terenie całego kraju m.in. – Era Nowe Horyzonty oraz SlotArt Festiwal. Można go było również zobaczyć i usłyszeć w Teatrze Muzycznym Capitol we Wrocławiu. Prezentowane dzieło jest jedną z wielu prac czerpiących z tradycji sztuki ulicznej oraz graffiti. Dzieło dotyczy relacji międzyludzkich w miejscu pracy, odwołuje się do korporacyjnego stylu życia, szefa-nadzorcy i jego podwładnych, jako ludzi pozbawionych zasad oraz skoncentrowanych na karierze. W sposób niebezpośredni odwołuje się do symboliki małpy, jako stworzenia, w którym uwydatniają się zwierzęce cechy ukryte również w człowieku, jego dążenie do dominacji. Saul podkreśla jednak inne znaczenie tego symbolu – „małpie figle“, to nic innego jak teatr radości. Świat przedstawiony pełen jest szczegółów, faktur i kontrastów. Wschodzące słońce (barwne, symetryczne tło) przywołujące na myśl japońskie sztandary wojenne, które jednak stają się uzupełnieniem sielankowej, nieco groteskowej baśniowości przedstawianej na płótnie. 

Piotr Saul ur. w 1986 r. w Nowej Rudzie. Artysta wizualny, muzyk i tancerz, absolwent Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocław na wydziale Grafiki i Sztuki Mediów. Obecnie asystent w pracowni malarskiej prof. K . Skarbka na Wydziale Malarstwa i Rzeźby tejże uczelni. Członek ZPAP, Stowarzyszenia Młode Wilki oraz Grupy Kotlina Kru. Aktualnie zajmuje się ogólnie pojętym malarstwem, projektowaniem oraz organizacją wystaw, oscylujących wokół tematyki street artu i nie tylko.

Piotr Saul w Katalogu Rynku i Sztuki

—————————————————————————————-

Justyna Pennards-Sycz, Eternal swimming, akryl na płótnie, 160 x 120 cm, 2015 r. (Zapytaj o cenę)

Justyna Pennards-Sycz zajmuje się malarstwem abstrakcyjnym opartym na intensywnej barwie, tematycznie powiązanym z problematyką tożsamości człowieka na tle miejsca jego pobytu. W roku 2014 reprezentowała Polskę w ramach Edynburgh Art Fair oraz jest jedną z nielicznych polskich artystek polecanych przez Saatchi Art. Swoje prace wystawiała m.in. w Holandii, Polsce, Niemczech oraz w Stanach Zjednoczonych. Jest również pomysłodawczynią i współwłaścicielką Galerii i Fundacji Archipel w Amersfoort (Holandia). Prace Justyny Pennards-Sycz cechuje umiejętne operowanie przestrzenią obrazu – rozmytym, płaskim, nieprzeniknionym tłem oraz wyrazistym pierwszym planem, często wzbogacanym fakturą nakładanej warstwowo farby. Podejście to ukazuje głębokie przywiązanie do precyzyjnych wykończeń i ledwie dostrzegalnych detali, które uzupełniają dzieła i nadają im charakterystyczny sugestywny wyraz. „Eternal swimming“ jest jednym z obrazów powstałych w ramach cyklu „Cities“, który w niepełnej formie prezentowany był w tym roku we Wrocławiu. Metropolia Pennards-Sycz to miejsce podporządkowane kontrastom, światłu i ciemności, pięknu i brzydocie, precyzji i niedopracowaniu, zauroczeniu i pustce. Wrażenia te artystka przenosi na grunt metafizyczny, zastanawiając się nad wpływem otoczenia człowieka na jego osobowość i stany wewnętrzne. Wyczuwalne pozostają echa tęsknoty za światem wyobrażeniowym, odległymi krainami między naturą i wielką urbanistyką, w których chcielibyśmy odnaleźć się na nowo. Pennards-Sycz zwraca uwagę, że tak jak miasto po zmroku przyjmuje różne oblicza, tak i nam pisane są trudne chwile, nieoznaczoność i kręte ścieżki. W mroku nocy zawsze jednak można znaleźć światło, które nas poprowadzi, zauroczy, czy ukoi. „Eternal swimming“ posiada również szereg cech podkreślających futurystyczny wymiar miasta.

Justyna Pennards-Sycz – studia ekonomiczne na Westfalskim Uniwersytecie Wilhelma w Münsterze oraz artystyczne (specjalizacja: malarstwo) w Wyższej Szkole Sztuk Pięknych Hogeschool voor de Kunsten w Utrechcie. Project manager oraz specjalista ds. komunikacji wewnętrznej. Od 2005 roku malarka w duchu abstrakcjonizmu. Działaczka i współwłaścicielka Galerii i Fundacji Archipel w Amersfoort. Mieszka i pracuje w Holandii.

Justyna Pennards-Sycz w Katalogu Rynku i Sztuki

—————————————————————————————-

Wojciech Tut Chechliński, Synteza, olej na płótnie, 80 x 120 cm, 2013 r. (Zapytaj o cenę)

Wojciech Tut Chechliński jest warszawskim artystą-malarzem, który zaczął malować jeszcze w dzieciństwie. Niezwykła jest historia rodzinnej kolekcji dzieł sztuki, która zawierała prace m.in. Tytusa Czyżewskiego, Wacława Taranczewskiego, Jana Cybisa czy Józefa Pankiewicza. Artysta stroni od jednoznacznego identyfikowania się z konkretnym nurtem artystycznym. Aktualnie zajmuje się tworzeniem obrazów w zaciszu własnej pracowni. Jego twórczość stanowi rodzaj kompromisu pomiędzy dokonaniami kubistów, w szczególności Georgesa Braque’a oraz szeroko rozumianych prymitywistów, spychanych dziś na margines oficjalnego nurtu sztuki. Chechliński zrywa z osiągnięciami sztuki iluzorycznie odzwierciedlającej rzeczywistość. Pozostaje twórcą spontanicznym, odrzucającym perspektywę i poszukującym sensu obserwowanego świata w jego zgeometryzowanej parafrazie. Jest to twórca operujący silnym, nakładanym warstwowo kolorem. „Synteza“ odnosi się do złożoności świata i sztuki, które z każdym dniem, tygodniem, miesiącem i rokiem, stają się coraz trudniejsze w jednoznacznej ocenie. Na gruncie symbolicznym autor rozpatruje misterną nadbudowę świata oscylującego między nami, innymi ludźmi oraz naszymi potrzebami; odpowiednio duchowością, fizycznością i psychiką. Tworzący się w ten sposób czworobok prowadzony jest przez wieżę – sygnaturę życia, która ilustruje naszą drogę do wielkości, ale i druzgocącą klęskę i niedoskonałość człowieka. Chechliński jest zdania, że to właśnie sztuka jest ośrodkiem dla swobodnego przechodzenia od jednych doznań do drugich, że łączenie przyjemności, myśli (treści filozoficznej) i prawdy jest cechą prawdziwego dzieła sztuki.

Wojciech Tut Chechliński – artysta malarz, od kilkudziesięciu lat budujący własną wizję świata odwołującego się do wyobraźni widza. Jego malarstwo – formalnie bliskie dokonaniom kubizmu, abstrakcjonizmu oraz art brut – cechuje szeroka gama kolorystyczna, syntetyzm twórczy oraz mniejsza skala deformacji. Żyje i pracuje w Warszawie.

Wojciech Tut Chechliński w Katalogu Rynku i Sztuki

—————————————————————————————-

Maciej Olekszy, Odwilż, atrament, papier naklejony na płótnie, 50 x 50 cm, 2013 r. (Zapytaj o cenę)

Maciej Olekszy pochodzi z Poznania, gdzie studiował na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych (dyplom w Pracowni Malarstwa profesora Jana Świtki). Uczestnik kilkudziesięciu wystaw indywidualnych oraz zbiorowych. Laureat nagrody Salted Candy 2009, przyznawanej przez Poznańską Galerię Nowa i Stowarzyszenie Twórcze Nowa Nowa. Twórczość Olekszego porównywana jest ze sposobem obrazowania Josepha Beuys’a oraz Francisa Bacona, głównie za sprawą prymatu idei nad obiektem, swobodnego operowania szeroką plamą oraz myślenia światłem, czy też temperaturą koloru. Wspólne jest również podejście wspomnianych artystów do sztuki jako takiej – ich zdaniem potrzeba twórczości cechuje wszystkich ludzi i wszystkie dziedziny życia. W swoich pracach Olekszy penetruje kondycję współczesnego człowieka, w szczególności jego cechy i szczegóły, ujęte w pewnym uproszczeniu, wskazujące na trawiący go dramat egzystencjalny. Czasem bardzo intymne, czasem oparte na obserwacji innych ludzi, prace Olekszego językiem sztuk wizualnych wyrażają bardzo subtelne i trudne do opisania uczucia i wrażenia. Tak też jest w przypadku „Odwilży“, znanej nam jako okres ocieplenia przychodzący po okresie zamarzania. Patrzymy zatem na szmaragdową bryłę lodu, oddaną za pomocą akwareli, która topniejąc odkrywa prawdziwą twarz człowieka i sprawia, że znowu zaczyna dla niego płynąć czas. Inspiracją dla powstania dzieła była historia stopniowego odzyskiwania kontaktu i dobrych relacji z ukochaną osobą. Uczucia, które unieruchomił czas, a które okazały się ciągle żywe rozpoczęły powolny proces powrotu do stanu równowagi.

Maciej Olekszy – studia na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu. Dyplom w Pracowni Malarstwa profesora Jana Świtki. Zajmuje się malarstwem, głównie w technice akwarelowej. Laureat nagrody Salted Candy 2009.

Maciej Olekszy w Katalogu Rynku i Sztuki

—————————————————————————————-

Fot. (góra) Natalia Karasińska, Kompozycja liniowa VIII, kolografia na papierze, 70 x 100 cm, 2011 r.

Portal Rynek i Sztuka