Zainwestuj w sztukę – sztuka współczesna (grudzień 2015)
01.12.2015
Kolekcjonowanie od podstaw, Trendy inwestycyjne, Zainwestuj w sztukę
Nowa odsłona cyklu „Zainwestuj w Sztukę”, by nadal, co miesiąc, prezentować zestawienia prac cieszących się rosnącą popularnością na rynku sztuki oraz najlepsze galerie polskiego rynku artystycznego. Szacuje się, że udział tzw. sztuki młodej w obrocie dziełami sztuki na polskim rynku stanowi obecnie prawie 50%. Interesują się nimi nie tylko kolekcjonerzy, ale i inwestorzy, dla których sztuka dawna pozostaje zbyt kosztowna. To właśnie młoda sztuka pozostaje obszarem, który daje możliwość największego zysku. Z tego też powodu, raz w miesiącu, przedstawimy Państwu zestawienie kilkunastu prac polskich twórców, oferowanych przez czołowe galerie sztuki, które naszym zdaniem stanowią atrakcyjny obiekt inwestycyjny.
Karolina Matyjaszkowicz, Pani Wszechświat, akryl na płycie, 83 x 62 cm, 2014 (1100 PLN)
Karolina Matyjaszkowicz urodziła się w 1980 roku w Łowiczu. W 2008 roku ukończyła Wydział Tkaniny i Ubioru ASP im. W. Strzemińskiego w Łodzi, specjalność: wzornictwo, projektowanie tkaniny. Trzykrotna laureatka konkursu Projekt im W. Strzemińskiego. Po studiach kontynuowała eksperymenty formalne na gruncie malarstwa oraz ilustracji, równolegle pracując nad projektami muzycznymi oraz animacją. Malarstwo Matyjaszkowicz bierze swój początek w podaniach ludowych oraz tradycji słowiańskiej, przekazywanej z pokolenia na pokolenie i obecnej w rodzinie artystki. Równolegle wyróżnić można momenty hołdu wobec folkloru łowickiego, powracającego w twórczości Matyjaszkowicz w postaci wzorzystych wycinanek i haftów, czy ludowych deseni. Sama artystka w gronie twórców, którzy wywarli wpływ na jej kierunek twórczy, wskazuje m.in. Hieronima Boscha, René Magritte’a, Jean- Jacquesa Rousseau i Paula Klee. Widoczna pozostaje słabość twórczyni do narracji w ramach poszczególnych dzieł – przeważnie bogate w detale i nowoczesne, nie odwracają uwagi widza od jego korzeni. Przystępność ta nie przeszkadza w tworzeniu nastroju tajemniczości oraz sięgania po znane historii sztuki palety kolorystyczne, które intuicyjne wychwytuje oko widza. W ten sposób osiągnięty zostaje specyficzny kolaż na styku sztuki naiwnej, zafascynowanej prostotą, naturą i snem, a wektoryzującą ilustracją, trwale związaną już ze współczesną sztuką użytkową.
SalonSztuki.net jest kuratorską przestrzenią online. Galeria sprzedaje wyselekcjonowane prace młodych i uznanych twórców. Ich doskonały warsztat i rzeczywiste nowatorstwo przyczyniają się do tworzenia nowych nurtów w polskiej sztuce. Doświadczenie, wiedza i monitorowanie rynku talentów umożliwia kreowanie trendów w sztuce najnowszej. Zakupy zgodne z osobistymi upodobaniami estetycznymi, możliwość rozwijania zainteresowań sztuką i kontakt z projektantami wnętrz – to gwarancja profesjonalnego doboru dzieła sztuki zarówno do określonej przestrzeni, jak i do portfela inwestycyjnego.
—————————————————————————————-
Katarzyna Celek, Fala, technika mieszana na płótnie, 65 x 55 cm, 2015 (1240 PLN)
Katarzyna Celek jest absolwentką Wydziału Malarstwa krakowskiej Akademii Sztuk Pięknych im. Jana Matejki (dyplom u prof. Misiaka w 2013 roku). Obecnie kontynuuje naukę na studiach doktoranckich. Artystka brała udział w kilkudziesięciu wystawach indywidualnych i zbiorowych. W 2012 roku otrzymała stypendium prof. Janiny Kraupe-Świderskiej. Wielokrotnie nagradzana m.in. w konkursach „Świeża Krew” czy „Promocje”. Twórczość Katarzyny Celek to przede wszystkim malarstwo pejzażowe, surowe, tajemnicze, niepokojące, obrazujące dualny charakter natury i jej romantyczne usposobienie. „Obraz jest dla mnie sumą myśli, intuicji, emocji. Inspiracją jest dla mnie drzemiąca w żywiołach siła stwórcza i destrukcyjna. Chciałabym aby widz skupiał się na tym aspekcie, na samej esencji zjawiska. Obraz powinien być formą zbliżenia się do zjawisk, do których często nie można zbliżyć się fizycznie. Obraz powinien być świadectwem tego co widzialne i niewidzialne”. Najnowsze prace artystki są obecnie prezentowane na zbiorowej wystawie „Uwaga! Świeżo malowane” w FRESZ Gallery (wystawa potrwa do 30.12.2015).
FRESZ Gallery to młoda, dynamicznie rozwijająca się galeria sztuki współczesnej. Galeria ma swoją siedzibę w centrum Krakowa, prowadzi również sprzedaż w profesjonalnej galerii internetowej. W ofercie znajdują się prace polskich artystów o konkretnym potencjale inwestycyjnym. Wyszukujemy młodych i obiecujących twórców, promujemy ich sztukę i wspieramy w twórczym rozwoju. FRESZ Gallery stawia na unikatowość, nowoczesność i indywidualizm. U nas znajdziesz ofertę z najwyższej półki w atrakcyjnej cenie. Nasi artyści to przede wszystkim absolwenci ASP z Krakowa i innych miast. Wielokrotnie nagradzani i wyróżniani w najważniejszych polskich konkursach i rankingach, laureaci stypendiów. Galeria była jednym z wystawców na tegorocznych 13. Warszawskich Targach Sztuki.
FRESZ Gallery w Katalogu Rynku i Sztuki
—————————————————————————————-
Wojciech Szybist, Martwa natura dla Van Gogha, olej na płótnie, 60 x 40 cm, 2014 (1420 PLN)
Twórczość Wojciecha Szybista cechuje doskonały akademicki warsztat, który można rozpatrywać w kontekście nawiązań do ekspresjonizmu czy symbolizmu, doszukiwać się ukrytych w dziełach znaczeń, wyobrażeń, osobistych przemyśleń artysty. Wojciech Szybist (ur. 1988) jest absolwentem Wydziału Malarstwa krakowskiej Akademii Sztuk Pięknych im. Jana Matejki. Dyplom w pracowni prof. Bednarskiego uzyskał w 2014 roku. Brał udział w wielu wystawach indywidualnych i zbiorowych, w tym „Najlepszych dyplomów ASP 2014”. Wielokrotnie nominowany i nagradzany w ogólnopolskich konkursach artystycznych i stypendiach. Obrazy Szybista magnetyzują, nie pozwalając przejść obok nich obojętnie. Zapadają w pamięć i powracają. Artysta w metaforyczny sposób przelewa na płótno to, co dla niego istotne: relacje z Bogiem, ludźmi, odpowiedzi na nurtujące go pytania i obawy. Podstawą pracy pozostaje rysunek oraz częste nawiązania do twórczości wielkich mistrzów malarstwa. Najnowsze prace artysty są obecnie prezentowane na zbiorowej wystawie „Uwaga! Świeżo malowane” w FRESZ Gallery (wystawa potrwa do 30.12.2015).
FRESZ Gallery to młoda, dynamicznie rozwijająca się galeria sztuki współczesnej. Galeria ma swoją siedzibę w centrum Krakowa, prowadzi również sprzedaż w profesjonalnej galerii internetowej. W ofercie znajdują się prace polskich artystów o konkretnym potencjale inwestycyjnym. Wyszukujemy młodych i obiecujących twórców, promujemy ich sztukę i wspieramy w twórczym rozwoju. FRESZ Gallery stawia na unikatowość, nowoczesność i indywidualizm. U nas znajdziesz ofertę z najwyższej półki w atrakcyjnej cenie. Nasi artyści to przede wszystkim absolwenci ASP z Krakowa i innych miast. Wielokrotnie nagradzani i wyróżniani w najważniejszych polskich konkursach i rankingach, laureaci stypendiów. Galeria była jednym z wystawców na tegorocznych 13. Warszawskich Targach Sztuki.
FRESZ Gallery w Katalogu Rynku i Sztuki
—————————————————————————————-
Katarzyna Stanny, Kolia Porenica podhalańska Zorza, rozmiar 30/40 cm, kryształy i perły Swarovski Elements, pióra naturalne, filc, 2013 (Zapytaj o cenę)
Katarzyna Stanny jest absolwentką Wydziału Grafiki ASP w Warszawie, Instytutu Historii UW oraz Instytutu Francuskiego w Warszawie. Od 2009 roku pracuje na Wydziale Sztuki Mediów ASP w Warszawie, gdzie od 2014 roku prowadzi Pracownię Projektowania Intermedialnego. Wykładowczyni Warszawskiej Szkoły Filmowej B. Lindy i M. Ślesickiego, UKSW oraz PAN. Zajmuje się grafiką użytkową, fotografią. Jako projektantka biżuterii współpracuje ze Swarovski Elements. Realizowała projekty m. in. dla Działu Edukacji MHŻP, AM w Warszawie, Fundacji La Strada, TLiAM, IBL. Swoje prace prezentowała na wielu wystawach indywidualnych oraz zbiorowych w Polsce, Francji, Niemczech, Luksemburgu i Pekinie. Laureatka ogólnopolskich nagród i wyróżnień, w tym Nagrody Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego za szczególne osiągnięcia w pracy artystycznej i dydaktycznej. Mieszka i pracuje w Warszawie. Projektowaniem i wykonywaniem biżuterii zajmuje się od 2004 roku. Współpracę ze Swarovski Elements rozpoczęła w 2006 roku projektem Kultury Świata według polskich projektantów. W 2011 roku brała udział w XVIII Międzynarodowych Targach Bursztynu, Biżuterii i Kamieni Jubilerskich Amberif 2011, Fashion Week Poland w Łodzi oraz w Targach Etnokolekcja 2011 w Muzeum Etnograficznym w Warszawie. W roku 2013 powstał projekt zrealizowany dla potrzeb płyty Agi Zaryan „Remembering Nina&Abbey”, a w roku 2015 kolie prezentowane były na wystawie „Od źródeł do inspiracji. Motywy etniczne w polskim wzornictwie” w National Art Museum of China w Pekinie. Kolia Porenica podhalańska Zorza jest efektem inspiracji pięknem polskiej sztuki ludowej przełożonej na współczesny glamour design.
Ney Gallery&Prints pełni rolę przestrzeni artystycznej i kolekcjonerskiej, łączącej doświadczenie i autorytet znanych i cenionych twórców, z młodymi, elektryzującymi postawami twórczymi. Galeria prezentuje sztukę niekonwencjonalną i klasyczną, zajmuje się sprzedażą fotografii i malarstwa. Za pośrednictwem galerii nabyć można prace m.in. Ryszarda Horowitza, Lidii Popiel, Janusza Foglera, Katarzyny Stanny, Tomasza Sikory, Tomasza Tomaszewskiego, Krzysztofa Gierałtowskiego. Galeria ma zaszczyt reprezentować jednego z najbardziej rozpoznawalnych fotografów na świecie, kreatora fotokompozycji – Ryszarda Horowitza. Ney Gallery&Prints prowadzi także pracownię wydruków fotograficznych wielkoformatowych, gdzie klient ma możliwość przekonać się, że tworzenie sztuki to także umiejętność przenoszenia jej na różnego rodzaju podłoża artystyczne. Ney Gallery&Prints oferuje także wykonanie fotografii do aranżacji wnętrz.
—————————————————————————————-
Aleksandra Prusinowska, Naomi, linoryt, 85 x 130 cm, 2014 (5200 PLN)
Zaraz po ukończeniu studiów rozpoczęła pracę jako asystentka w pracowni linorytu prof. Janusza Akermanna. Artystka zajmuje się malarstwem i grafiką artystyczną. W swoich pracach sięga po wzorce z pop-kultury, nawiązując do filmów, reklam, zdjęć prasowych, a także komiksów, z właściwym im sposobem kadrowania. W pracach Prusinowskiej często pojawia się motyw ciała – figury kobiety w kolorowych, nasyconych barwą przedstawieniach. „”Często pojawiającym się motywem jej obrazów i grafik jest figura kobiety, malowana na granicy hiperrealizmu, umieszczona w barwnych dekoracjach, w umownie potraktowanych wnętrzach; kobiety w uśpieniu, na granicy jawy i snu, bezbronne, a zarazem nieprzewidywalne. Użyte środki wyrazu kojarzą się z technikami kolażu, wycinanki, choć oczywiście nimi nie są. W wielu jej obrazach obecne są kolorowe draperie, wzorzyste tapety, nawiązujące do sztuki pop-artu. Nasycone kolory wspierają narracyjność obrazów, ale jednocześnie oddziałują wartościami własnymi. Kolor, stosowany także w grafikach, artystka przedstawia jako źródło energii, coś niezbędnego do życia” (Joanna Matyja).
Galeria Miejska we Wrocławiu – działająca od 1991 roku galeria sztuki współczesnej, powołana przez miasto Wrocław. Działania Galerii obejmują prezentację polskiej i zagranicznej sztuki oraz jej promocję. Ważnym celem Galerii Miejskiej we Wrocławiu jest promowanie sztuki rodzimej, a w szczególności wrocławskich twórców poza granicami kraju. Dyrektorem Galerii Miejskiej we Wrocławiu jest Mirosław Jasiński, historyk sztuki, dyplomata i twórca filmów dokumentalnych.
—————————————————————————————-
Miłosz Flis, Jezioro 2, akryl na papierze, 106,5 x 91 cm, 2013 (4000 PLN)
Miłosz Flis urodził się w 1986 roku w Lublinie. Początkowo związany był z tamtejszą uczelnią, potem rozpoczął studia na Wydziale Rzeźby Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu. W 2012 roku obronił dyplom z rzeźby w pracowni prof. Janusza Kucharskiego. Twórca unikatowych rzeźb, obrazów i instalacji, wykonywanych w rzadko stosowanych technikach, niemal na granicy formalnego i technologicznego eksperymentu. Zajmuje się rzeźbą, malarstwem i grafiką, opierając się na eksperymentach formalnych i technologicznych. Interesuje się równocześnie abstrakcją i malarstwem figuratywnym. Flisowi udało się rozwinąć bardzo charakterystyczny język formalny z szeregiem cech szczególnych z zakresu: skali, skłonności do deformacji, intensywnego koloru, organiczności form i kombinacji przypadkowych obiektów. Fascynuje go manipulacja skalą, niedomówienie, działania intuicyjne i podświadome. Większość jego rzeźb powstaje za sprawą fascynacji perfekcją i oczywistością przypadkowej formy. Formy, która jest przelotna i niemal niezauważalna w jej oryginalnym środowisku i naturalnej skali. Na gruncie malarstwa rozwija sposób obrazowania koncentrujący się na przejściach barwy oraz szczególe.
Galeria Miejska we Wrocławiu – działająca od 1991 roku galeria sztuki współczesnej, powołana przez miasto Wrocław. Działania Galerii obejmują prezentację polskiej i zagranicznej sztuki oraz jej promocję. Ważnym celem Galerii Miejskiej we Wrocławiu jest promowanie sztuki rodzimej, a w szczególności wrocławskich twórców poza granicami kraju. Dyrektorem Galerii Miejskiej we Wrocławiu jest Mirosław Jasiński, historyk sztuki, dyplomata i twórca filmów dokumentalnych.
—————————————————————————————-
Franciszek Starowieyski, ABCD, technika mieszana, 295 x 195 cm, 2001 (48 000 PLN)
Franciszek Starowieyski pochodzący z rodziny szlacheckiej, nieżyjący już polski grafik, malarz, rysownik i scenograf. Jeden z największych kolekcjonerów dzieł sztuki w Polsce. Brat księdza Marka Starowieyskiego. Małżonek Ewy Starowieyskiej (1930-2012), znanej scenografki. Jego synem jest malarz i rysownik Antoni Starowieyski (ur. 1973). W latach 1949-1952 studiował malarstwo w Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie u Wojciecha Weissa i Adama Marczyńskiego, a następnie na ASP w Warszawie u Michała Byliny, gdzie uzyskał dyplom w 1955. Popularność zyskał w latach 60. serią plakatów teatralnych i filmowych. Był twórcą tzw. teatru rysowania. Jego malarstwo cechowały refleksja nad przemijaniem i śmiercią oraz fascynacja kobiecym ciałem i zmysłowością. Wielokrotnie wystawiał w galeriach i muzeach w Polsce, Austrii, Belgii, Francji, Holandii, Kanadzie, Szwajcarii, USA czy we Włoszech. Był laureatem wielu nagród, m.in.: Grand Prix na Biennale Sztuki Współczesnej w Saô Paulo (1973), Grand Prix za plakat filmowy na festiwalu w Cannes (1974), Grand Prix na Międzynarodowym Festiwalu w Paryżu (1975), Annual Key Award gazety Hollywood Reporter (1975-1976), nagrody na Międzynarodowym Biennale Plakatu w Warszawie i na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Chicago (1979-1982). W 1994 otrzymał Nagrodę „Złotej Maski” za scenografię do komediodramatu Ubu Król czyli Polacy Krzysztofa Pendereckiego w Teatrze Wielkim w Łodzi, a w 2004 Nagrodę Ministra Kultury w dziedzinie sztuk plastycznych. W 2005 został odznaczony przez ministra kultury Waldemara Dąbrowskiego Złotym Medalem Zasłużony Kulturze Gloria Artis. W obrazach Starowieyskiego świat realny łączył się z tworami jego wręcz „niepohamowanej” wyobraźni, a jego twórczość ostentacyjnie nawiązywała do starych XVII-wiecznych mistrzów i była przesycona groteską oraz humorem. Zmarł 23 lutego 2009 w wieku 79 lat.
Blue-S – warszawska galeria sztuki współczesnej, powstała w 2004 roku. Galeria oferuje unikatowe prace artystów z Polski i regionu Europy środkowo-wschodniej oraz świadczy usługi renowacji i oprawy obrazów. Są to prace zarówno dekoracyjne, jak i dzieła o wysokim potencjale inwestycyjnym (posiadają certyfikat oryginalności). Galeria jest również aktywnym animatorem warszawskiego środowiska artystycznego, bierze udział w targach sztuki o międzynarodowym charakterze.
—————————————————————————————-
Marcelina Groń, SPQR II, akryl na płótnie, 120 x 150 cm, 2015 (6500 PLN)
Marcelina Groń to doktorantka wrocławskiej Akademii Sztuk Pięknych na wydziale Malarstwa i Rzeźby w pracowni rysunku prof. Darii Mileckiej. W latach 2011-2012 była stypendystką mediolańskiej Academia di Belle Arti di Brera, rok później stypendystką Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego. Dwukrotna laureatka Stypendium Rektora Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu dla najlepszych studentów (2012-2013, 2013-2014). W roku 2013 otrzymała stypendium Prezydenta Miasta Wrocławia na rok akademicki 2013/2014, Grand Prix w konkursie Nagroda Artystyczna Galerii Dominikańskiej „Nowoodkryta” oraz wyróżnienie honorowe w Konkursie malarskim „Postawy” we Wrocławiu. W roku 2014 obroniła dyplom magisterski w pracowni prof. Krzysztofa Skarbka w Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu, któremu w ramach VI Interdyscyplinarnego Festiwalu Sztuk 2014 przyznano nagrodę artNoble dla najlepszego dyplomu publicznych uczelni artystycznych. Prezentowany obraz przedstawia starorzymską monetę, z zarysem współczesnej kobiety, co ma unaoczniać zjawisko ciągłego przenikania się teraźniejszości z przeszłością. Artystka zauważa, że synkretyzm pozostaje nierozerwalną częścią naszej kultury. Realistyczne formy w połączeniu z ekspresyjnym sposobem malowania i żywymi kolorami tworzą zapis myśli przedstawionych na płótnach postaci. Natomiast znajdowanie związków między symbolicznymi odwołaniami zaszyfrowanymi w dziełach artystki, otwiera oczy na bogaty świat ukrytych znaczeń i iluzji. Umożliwia widzowi wyjście poza granice materii twórczej, zajrzenie pod to, co znajduje się na powierzchni i zagłębienie się w otchłań ludzkiej psychiki i kodów kulturowych. S.P.Q.R II powstał z nazwy Senatus Populusque Romanus łacińskiej formuły oznaczającej „senat i lud”. Formuła ta stanowiła w starożytności oficjalną nazwę Imperium Rzymskiego, a skrót SPQR, spełniał funkcję godła państwowego oraz pojawiał się m.in. na monetach okresu republiki, sztandarach i pomnikach.
Food Art Gallery – jedyny taki koncept artystyczny w Polsce. Z jednej strony to restauracja aspirująca do klasy fine dining, serwująca gościom wyrafinowaną kuchnię, w której dba się o estetykę oraz wysoką kulturę kulinarną. Z drugiej zaś jest to niecodzienna galeria sztuki współczesnej, w której obok obrazów sygnowanych przez uznanych twórców, pokazywane są także prace młodych, lokalnych artystów. Wystawy, podobnie jak potrawy w karcie, są cyklicznie zmieniane, aby zapoznawać gości restauracji z coraz to nowymi smakami oraz różnorodnością polskich talentów. Prywatna galeria sztuki współczesnej, której właścicielką jest Anna Gendaj.
—————————————————————————————-
Andrzej Bator, Złote Las Vegas, akryl na płótnie, 120 x 100 cm, sygnowany, 2012 (5000 PLN)
Andrzej Bator dyplom z grafiki warsztatowej i poligrafii uzyskał w 1976 roku na PWSSP w Łodzi (obecnie Akademia Sztuk Pięknych im. Władysława Strzemińskiego). Zajmuje się projektowaniem graficznym, rysunkiem, malarstwem sztalugowym, plakatem. Jego prace znalazły się w wielu kolekcjach prywatnych i państwowych, a sama twórczość została wielokrotnie nagrodzona, m.in. I nagrodą Ogólnopolskiego Konkursu na Obraz, Grafikę i Rysunek Cztery Pory Roku (1991); III nagrodą II Biennale Ogólnopolskiego Konkursu Barwy dźwięku (1991); Grand Prix i Nagrody BWA, II nagrodą X Międzynarodowego Salonu Sztuki Homo Quadratus Ostroviensis (2010). Artysta, związany z Łodzią inspiruje się formalną stroną tkaniny. Przechodzenie przez siebie wątku i osnowy buduje tkacką strukturę, którą Bator odzwierciadla drobnymi, precyzyjnymi liniami na swoich płótnach. „Kreska, linia jest podstawowym elementem wypowiedzi plastycznej i twórczej, która odgrywa ważną rolę szczególnie w rysunku. Jest śladem artystycznej wrażliwości, określa kontur, tworzy walor. Mnie interesuje lina i wszystko co wokół niej”.
Pragaleria jest powstałą w marcu 2015 roku galerią sztuki współczesnej, mieszczącą się na warszawskiej Pradze. Profil galerii koncentruje się na malarstwie oraz grafice cyfrowej i tradycyjnej, w tym tzw. Sztuce młodej. Wśród artystów prezentowanych w ramach wystaw indywidualnych i zbiorowych oraz organizowanych aukcji znaleźli się m.in. Jakub Różalski, Kacper Bożek, Ziemowit Fincek, Eva Chełecka. W naszych planach są też kursy kolekcjonerskie i promocji sztuki oraz aukcje tematyczne. Galeria zajmuje się również doradztwem i budowaniem kolekcji dla klientów indywidualnych oraz instytucjonalnych.
—————————————————————————————-
Janina Wierusz-Kowalska, Muszle, akryl na płótnie, 205 x 135 cm, 2015 (Zapytaj o cenę)
Janina Wierusz-Kowalska znana jest przede wszystkim z syntetycznych płócien pełnych geometryzujących kształtów i skomplikowanych struktur. Artystka uprawia malarstwo, rysunek oraz tkaninę przestrzenną. Na polu pedagogicznym zajmuje się również historią sztuki oraz krytyką designu. Wierusz-Kowalska pochodzi ze starego rodu o bogatych tradycjach artystycznych. Jej przodkiem był m.in. sam Alfred Jan Wierusz Kowalski, wybitny polski przedstawiciel tzw. Szkoły monachijskiej, uczeń Józefa Brandta i honorowy profesor Akademii Monachijskiej. Absolwentka Wydziału Wzornictwa oraz Wydziału Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie (dyplom pod okiem Tadeusza Brzozowskiego), członkini A.P.A.J.T.E., Polskiego Stowarzyszenia Autorów, Dziennikarzy i Tłumaczy z siedzibą w Paryżu oraz autorka „Szkoły Sztuki Wizualnej”, interdyscyplinarnego programu dydaktycznego w duchu Bauhausu. Swoje prace wystawiała m.in. w Argentynie, Belgii, USA, Francji oraz w Warszawie. Twórczość Wierusz-Kowalskiej cechuje ogromna wybiórczość oraz precyzja, z jaką budowany jest specyficzny rodzaj napięcia. Artystka operując geometrycznym kształtem, układanym przestrzennie i w sposób iluzoryczny oddającym znane nam wrażenia, jest w stanie dotrzeć do samego ich źródła, wzmocnić je i z powrotem przelać na widza. Skutkuje to pewnego rodzaju olśnieniem, bo oto z gąszczu oszczędnych, przecinających się i falujących linii wyłania się obraz wykraczający daleko poza płaszczyznę interpretacji wzrokowej, tak jak to miało miejsce w przypadku sztuki suprematycznej, czy szerzej: abstrakcji geometrycznej. „Muszle” są w istocie interpretacją świata wodnego, w którym organiczne kształty przeobrażają się wraz ze zmianą padania światła. Ekspresję kształtu podkreśla tutaj mocne, antagonistyczne zderzenie czerni z bielą. Dynamika budowana jest również dzięki perspektywie, tworzącej wrażenie trójwymiarowości. Całość wprowadzona zostaje do sterylnej, minimalistycznej przestrzeni, ponownie przenoszącej uwagę widzia na strukturę dzieła.
Janina Wierusz-Kowalska – studia na Wydziale Wzornictwa oraz Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie. Malarka, pedagog, autorka licznych opracowań z dziedziny historii sztuki i teorii designu. Uprawia malarstwo, rysunek, tkaninę przestrzenną. Należy do A.P.A.J.T.E., Polskiego Stowarzyszenia Autorów, Dziennikarzy i Tłumaczy z siedzibą w Paryżu. Swoje prace prezentowała na wystawach indywidualnych i zbiorowych w Argentynie, Belgii, USA, Francji oraz w Warszawie.
—————————————————————————————-
Maciej Olekszy, W burzy, olej na płótnie, 80 x 80 cm, 2015 (Zapytaj o cenę)
Maciej Olekszy pochodzi z Poznania, gdzie studiował na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu (dyplom w Pracowni Malarstwa profesora Jana Świtki). Uczestnik kilkudziesięciu wystaw indywidualnych oraz zbiorowych. Laureat Salted Candy 2009 przyznawanej przez Poznańską Galerię Nowa i Stowarzyszenie Twórcze Nowa Nowa. Twórczość Olekszego porównywana jest ze sposobem obrazowania Josepha Beuys’a oraz Francisa Bacona, głównie za sprawą prymatu idei ponad obiektem, swobodnego operowania operowania szeroką plamą oraz myśli światłem, czy też temperaturą koloru. Wspólne jest również podejście wspomnianych artystów do sztuki jako takiej – ich zdaniem potrzeba twórczości cechuje wszystkich ludzi i wszystkie dziedziny życia. W swoich pracach Olekszy penetruje kondycję współczesnego człowieka, w szczególności jego cechy i szczegóły, ujęte w pewnym uproszczeniu, wskazujące na trawiący go dramat egzystencjalny. Dzieło „W burzy” jest zwrotem i hołdem artysty wobec natury i charakterystycznej dla niej cykliczności. Burza, mimo gwałtowności i niebezpieczeństwu jakie może przygnieć życiu, jest także zjawiskiem przynoszącym wytchnienie po suszy, bez którego wegetacja roślin nie miałaby miejsca. Nie byłoby zatem piękna kwiatu, ani życiodajnego owocu. Cykliczność ta podkreślona zostaje również za pomocą koła, symbolu nieskończoności, harmonii i kompletności, a w kręgu rzymskokatolickim również omnipotencji. Tło reprezentujące burzowe niebo, namalowane mocno rozrzedzonym, przejrzystym laserunkiem, wyraźnie odcięte zostaje od czerwonego impastu – kwiatu.
Maciej Olekszy – studia na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu. Dyplom w Pracowni Malarstwa profesora Jana Świtki. Zajmuje się malarstwem, głównie w technice akwarelowej. Laureat nagrody Salted Candy 2009. „Postacie z prac Macieja Olekszego to raczej ślad człowieka, forma dopełniająca go, nośnik pamięci po jego niegdysiejszej obecności podpowiadanej przez antropomorficzne kształty i metafory. (…) To ludzkie zacieranie pamięci, potęgowane przez zastosowanie techniki akwareli sprawia, że człowiek balansuje tutaj na granicy istnienia.” (Robert Brzęcki). Dotychczasowe projekty artystyczne obejmowały m.in. wystawy w Galerii Wozownia w Toruniu, Galerii Pionova w Gdańsku i poznańskiej Galerii Nowa. Żyje i pracuje w Poznaniu.
Maciej Olekszy w Katalogu Rynku i Sztuki
—————————————————————————————-
Justyna Pennards-Sycz, Life under Construction, akryl na płótnie, 120 x 80 cm, 2015 (Zapytaj o cenę)
Justyna Pennards-Sycz zajmuje się malarstwem abstrakcyjnym, opartym na silnym kolorze. W roku 2014 reprezentowała Polskę w ramach Edynburgh Art Fair oraz jest jedną z nielicznych polskich artystek polecanych przez Saatchi Art. Swoje prace wystawiała m.in. w Holandii, Polsce, Niemczech oraz USA. Jest również pomysłodawczynią i współwłaścicielką Galerii i Fundacji Archipel w Amersfoort (Holandia). „Life under Construction” jest obrazem kontynuującym cykl prac pt. „Miasta” (Cities), którego premiera miała miejsce w ramach indywidualnej wystawy artystki w Food Art Gallery we Wrocławiu. Projekt śledzący miejskie arterie kreślone neonowym blaskiem artystka rozwija obecnie za pomocą bardziej umownych, abstrakcyjnych realizacji, w gronie których wyróżnić można również prezentowane dzieło. Uwaga Pennards-Sycz wyraźnie zwróciła się w stronę struktury miejskich konstrukcji, układu kątów i relacji jaką poszczególne budynki tworzą między sobą. Powstaje w ten sposób specyficzny, surowy układ odniesienia, który swobodnie może zostać nałożony na znany nam krajobraz miasta. Opozycja poszczególnych budynków – zawieszonych w przestrzeni konstrukcji o rozmywającej się lub wyraźnej linii – nakreśla obraz wiecznie zmieniającej się metropolii. Ile właściwie pięter posiada swoich lokatorów? Ile starych kamienic przetrwa próbę czasu? „Life under Construction” nakreśla pytania dotyczące przyszłości miejskiego organizmu. Praca prezentowana jest obecnie na wystawie w galerii De Ploegh w Amersfoort.
Justyna Pennards-Sycz – studia ekonomiczne na Westfalskim Uniwersytecie Wilhelma w Münsterze oraz artystyczne (specjalizacja: malarstwo) w Wyższej Szkole Sztuk Pięknych Hogeschool voor de Kunsten w Utrechcie. Project manager oraz specjalista ds. komunikacji wewnętrznej. Od 2005 roku malarka w duchu abstrakcjonizmu. Działaczka i współwłaścicielka Galerii i Fundacji Archipel w Amersfoort. Mieszka i pracuje w Holandii.
Justyna Pennards-Sycz w Katalogu Rynku i Sztuki
—————————————————————————————-
Wojciech Tut Chechliński, Kontemplacja, olej na płótnie, 70 x 100 cm, 2012 (Zapytaj o cenę)
Wojciech Tut Chechliński jest warszawskim artystą-malarzem, który zaczynał tworzyć jeszcze w dzieciństwie. Niezwykła jest historia rodzinnej kolekcji dzieł sztuki, która zawierała prace m.in. Tytusa Czyżewskiego, Wacława Taranczewskiego, Jana Cybisa czy Józefa Pankiewicza. Artysta stroni od jednoznacznego identyfikowania się z konkretnym nurtem artystycznym. Aktualnie zajmuje się tworzeniem kolejnych obrazów w zaciszu własnej pracowni. Jego twórczość stanowi jednak rodzaj kompromisu pomiędzy dokonaniami kubistów, w szczególności Georgesa Braque’a oraz szeroko rozumianych prymitywistów, spychanych dziś na margines oficjalnego nurtu sztuki. Chechliński zrywa z osiągnięciami sztuki iluzorycznie odzwierciedlającej rzeczywistość. Pozostaje on twórcą spontanicznym, odrzucającym perspektywę i poszukującym sensu obserwowanego świata w jego zgeometryzowanej parafrazie. Jest to twórca operujący silnym, nakładanym warstwowo kolorem. „Nie próbujcie patrzeć na sztukę samymi oczyma, bo wyprowadzą was one na manowce. Uwierzcie, że nawet najbardziej niezrozumiałe przedstawienia skrywają tajemnicę i to waszym zadaniem jest ją rozwikłać, albo jej ulec” – wyjaśnieniem stojącej za „Kontemplacją” idei są słowa samego artysty. Dzieło powstało jako rezultat poszukiwania znaczeń w przestrzeni malarskiej, wielowymiarowości sztuki, która najwidoczniejsza pozostaje na styku treści dzieła – ukrytym ręką artysty przesłaniu, a jego wizualnym przedstawieniu.
Wojciech Tut Chechliński – artysta malarz, od kilkudziesięciu lat budujący własną wizję świata odwołującego się do wyobraźni widza. Jego malarstwo – formalnie bliskie dokonaniom kubizmu, abstrakcjonizmu oraz art brut – cechuje szeroka gama kolorystyczna, syntetyzm twórczy oraz mniejsza skala deformacji. Żyje i pracuje w Warszawie.
Wojciech Tut Chechliński w Katalogu Rynku i Sztuki
—————————————————————————————-
Piotr Saul, Krasnal, technika mieszana na płótnie, 160 x 100 cm, 2015 (Zapytaj o cenę)
Piotr Saul to postać na polskiej scenie artystycznej niezwykła. Sztuki wizualne stanowią dla niego punkt wyjścia dla dalszych eksperymentów na gruncie muzycznych i teatralnym. Jak sam mówi, długo poszukiwał ujścia dla własnej kreatywności, po czym trafił pod skrzydła prof. Andrzeja Basaja, prof. Wiesława Gołucha oraz prof. Krzysztofa Skarbka – pedagogów i wykładowców Akademii Sztuk Pięknych im. E. Gepperta we Wrocławiu. Tam też w 2010 roku obronił dyplom z grafiki warsztatowej z dwoma aneksami: malarskim oraz multimedialnym. Popularność przyniosła mu w szczególności aktywność w formujących się dopiero środowiskach związanych ze sztuką uliczną, głównie street artu. Brał udział w takich programach telewizyjnych jak: You Can Dance oraz Mam Talent, gdzie wspólnie z zespołem Me Myself And I został okrzyknięty najbardziej nowatorskim artystą tamtej edycji program. Od 14 lat zajmuje się Beatboxem. Tworzy własne kompozycje muzyczne. Brał udział w wielu koncertach i festiwalach na terenie całego kraju m.in. – Era Nowe Horyzonty oraz SlotArt Festiwal. Można go również zobaczyć i usłyszeć w Teatrze Muzycznym Capitol we Wrocławiu. „Krasnal” jest w istocie kolażem symboli Wrocławia, w którym to mieście artysta żyje i pracuje. Całość przedstawiona zostaje w charakterystyczny dla Saula sposób – na kanwie wypracowanej przez lata konwencji, łączącej komiks, street art i grafitti z neoekspresjonizmem. Obraz prezentowany był w ramach tegorocznej indywidualnej wystawy w warszawskiej Galerii Kuratorium.
Piotr Saul ur. w 1986 r. w Nowej Rudzie. Artysta wizualny, muzyk i tancerz, absolwent Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocław na wydziale Grafiki i Sztuki Mediów. Obecnie asystent w pracowni malarskiej prof. K . Skarbka na Wydziale Malarstwa i Rzeźby tejże uczelni. Członek ZPAP oraz grupy Kotlina Kru. Aktualnie zajmuje się ogólnie pojętym malarstwem, projektowaniem oraz organizacją wystaw, oscylujących wokół tematyki Street artu i nie tylko.
Piotr Saul w Katalogu Rynku i Sztuki
—————————————————————————————-
Portal Rynek i Sztuka
