Zainwestuj w sztukę – sztuka współczesna (luty 2016)
01.02.2016
Kolekcjonowanie od podstaw, Trendy inwestycyjne, Zainwestuj w sztukę
Nowa odsłona cyklu „Zainwestuj w Sztukę”, by nadal, co miesiąc, prezentować zestawienia prac cieszących się rosnącą popularnością na rynku sztuki oraz najlepsze galerie polskiego rynku artystycznego. Szacuje się, że udział tzw. sztuki młodej w obrocie dziełami sztuki na polskim rynku stanowi obecnie prawie 50%. Interesują się nimi nie tylko kolekcjonerzy, ale i inwestorzy, dla których sztuka dawna pozostaje zbyt kosztowna. To właśnie młoda sztuka pozostaje obszarem, który daje możliwość największego zysku. Z tego też powodu, raz w miesiącu, przedstawimy Państwu zestawienie kilkunastu prac polskich twórców, oferowanych przez czołowe galerie sztuki, które naszym zdaniem stanowią atrakcyjny obiekt inwestycyjny.
Natalia Karasińska, White Triptich, akryl na płótnie, 100 x 220 cm (tryptyk), 2011 (3600 PLN)
Natalia Karasińska – absolwentka Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu. Dyplom w V Pracowni Malarstwa u Prof. Stanisława Kortyki. Specjalizacja z Malarstwa w Architekturze i Urbanistyce u Prof. Adama Chmielowca oraz Aneks z Grafiki warsztatowej (w Pracowni Sitodruku) u Prof. Christophera Nowickiego i Dr Małgorzaty Warlikowskiej. 2011/2012 – Stypendystka Rektora Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu. Tym co najbardziej fascynuje młodą malarkę to, jak sama podkreśla, kolor i struktura, które pozwalają jej na tworzenie kompozycji wyraźnie korespondujących z dorobkiem polskich malarzy abstrakcyjnych. Te dwie podstawowe właściwości obrazu wiodą artystkę do budowania harmonijnych, skromnych i uproszczonych w wyrazie przedstawień lub przeciwnie do zdynamizowanych i surowych kompozycji. „White Triptich” [Biały tryptyk] to wielkoskalowe dzieło wykonane przy użyciu farb akrylowych, które przez chropowatą, wypukłą strukturę oraz ograniczoną paletę barwną nawiązuje dialog z twórczością klasyka – Józefa Hałasa. Podobnie jak w dziełach mistrza u Krasińskiej pojawia się pogłębiona refleksja nad potencjałem malarskiej powierzchni, jej specyfiki oraz fizycznych i artystycznych możliwości.
SalonSztuki.net jest kuratorską przestrzenią online. Galeria sprzedaje wyselekcjonowane prace młodych i uznanych twórców. Ich doskonały warsztat i rzeczywiste nowatorstwo przyczyniają się do tworzenia nowych nurtów w polskiej sztuce. Doświadczenie, wiedza i monitorowanie rynku talentów umożliwia kreowanie trendów w sztuce najnowszej. Zakupy zgodne z osobistymi upodobaniami estetycznymi, możliwość rozwijania zainteresowań sztuką i kontakt z projektantami wnętrz – to gwarancja profesjonalnego doboru dzieła sztuki zarówno do określonej przestrzeni, jak i do portfela inwestycyjnego.
—————————————————————————————-
Kasia Kmita, Lalka, ręcznie wycinany papier kolorowy, 100 x 100 cm, 2012 (Zapytaj o cenę)
Kasia Kmita urodziła się w 1972 roku w Nowej Rudzie. W 1996 roku uzyskała dyplom z malarstwa na Wydziale Malarstwa i Rzeźby Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu. Jej prace łączą elementy polskiego folkloru i popkultury. Charakterystyczne dla Kasi Kmity są misternie wycinane motywy roślinne, zaczerpnięte z dawnej tradycji ludowej – wycinanki polskiej. Artystka zestawia je z nowoczesnymi przedmiotami użytku codziennego, symbolami XXI wieku czy wizerunkami postaci z pierwszych stron gazet. Jest to dla niej połączenie tradycji z nowoczesnością i kultury polskiej z zachodnioeuropejską. Kasia Kmita od lat tworzy w nieco zapomnianej i niedocenionej technice papierowej wycinanki. Oryginalne medium, które jest nośnikiem artystycznej wypowiedzi mocno osadzonej we współczesności, Kmita próbuje przywrócić w obszar sztuki i wskazać, że tak jak klasyczne malarstwo, może stać się doskonałym środkiem ekspresji. Wielkoformatowe dzieło „Lalka”, wycięte w kolorowym papierze, przedstawia głowę złotowłosej dziewczyny o błękitnych oczach, na kontrastowym tle zbudowanym z ornamentów roślinnych – zaczerpniętych z kultury ludowej. Elementy folklorystyczne zestawione z kobiecym wizerunkiem kojarzonym z fizjonomią lalki barbie, tworzą wizualnie kontrowersyjny i mocno dysharmonijny efekt plastyczny.
Galeria Miejska we Wrocławiu – działająca od 1991 roku galeria sztuki współczesnej, powołana przez miasto Wrocław. Działania Galerii obejmują prezentację polskiej i zagranicznej sztuki oraz jej promocję. Ważnym celem Galerii Miejskiej we Wrocławiu jest promowanie sztuki rodzimej, a w szczególności wrocławskich twórców poza granicami kraju. Dyrektorem Galerii Miejskiej we Wrocławiu jest Mirosław Jasiński, historyk sztuki, dyplomata i twórca filmów dokumentalnych.
—————————————————————————————-
Eugeniusz Minciel, Cztery X, akryl i cement na płótnie, 100 x 100 cm, 2014 (Zapytaj o cenę)
Eugeniusz Minciel urodził się w 1958 roku. W latach 1980-1985 studiował na wydziale Malarstwa, Grafiki i Rzeźby w Państwowej Wyższej Szkole Sztuk Plastycznych (obecnie Akademia Sztuk Pięknych) we Wrocławiu. Otrzymał dyplom z wyróżnieniem w pracowni malarstwa prof. Wandy Gołkowskiej. Jest malarzem specjalizującym się w abstrakcji konkretnej. Jego prace znajdują się w zbiorach Muzeum Narodowego w Warszawie, Muzeum Narodowego we Wrocławiu i kolekcjach prywatnych w Polsce i za granicą. Mieszka i pracuje w Księżycach nieopodal Wrocławia. Eugeniusz Minciel jest przedstawicielem polskiej szkoły abstrakcji konkretnej, której w przeciwieństwie do zachodnioeuropejskiej odmiany tego kierunku, bliżej do estetyki neoekspresjonizmu niż neoplastycyzmu. Artystyczny warsztat Minciela łączy w sobie elementy tradycyjnie malarskie z rzeźbiarskimi czy nawet rzemieślniczymi. Podobnie jak surrealiści w początku XX wieku, artysta nie boi się podejmowania eksperymentów z fakturą i powierzchnią płótna, odsłaniając przed widzem nieograniczone pokłady plastycznych możliwości obrazu. W pracy „Cztery X” malarz stosuje tak niestandardowe rozwiązania w doborze środków wyrazu jak cement kładziony na płócienny podkład, wzbogacony malarskim detalem wykonanym przy użyciu farb akrylowych.
Galeria Miejska we Wrocławiu – działająca od 1991 roku galeria sztuki współczesnej, powołana przez miasto Wrocław. Działania Galerii obejmują prezentację polskiej i zagranicznej sztuki oraz jej promocję. Ważnym celem Galerii Miejskiej we Wrocławiu jest promowanie sztuki rodzimej, a w szczególności wrocławskich twórców poza granicami kraju. Dyrektorem Galerii Miejskiej we Wrocławiu jest Mirosław Jasiński, historyk sztuki, dyplomata i twórca filmów dokumentalnych.
—————————————————————————————-
Zdzisław Majrowski Meyro, Kwiaty w błękitnym wazonie, olej na płótnie, 95 x 110 cm, 2015 (19500 PLN)
Zdzisław Majrowski, tworzący również pod pseudonimem Constantin Meyro, to wzorujący się na Paulu Cezanne i Franzu Kokoschce malarz średniego pokolenia, którego kariera rozpoczęła się głośną wystawą w Monachium w 1981 roku („Pastisze XVII-wiecznego malarstwa). Obecny na rynku od 40 lat. Malarstwo studiował w pracowni prof. Jana Lisa, warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych. Kojarzony jest przede wszystkim z wielkoformatowym malarstwem figuratywnym oraz swobodą twórczą w zakresie doboru techniki ekspresji – od płaskich monochromatycznych kompozycji aż do kontrastowych impastów i reliefów. Malarstwo Zdzisława Majrowskiego znajduje się w wielu prywatnych kolekcjach w Europie, Ameryce i Japonii, m.in. w kolekcjach takich instytucji, jak Deutsche Bank oraz Berlinische Leben. Wystawiał m.in. w Paryżu, Kijowie, Nowym Jorku i Londynie. Jest jedynym polskim artystą rekomendowanym przez angielski miesięcznik biznesowy „Funds Europe”. Abstrakcje sygnowane przez Majrowskiego znajdują szerokie grono odbiorców wśród indywidualnych kolekcjonerów oraz architektów wnętrz (jako uzupełnienie prestiżowych wnętrz o chłodnej kolorystyce). Krytycy zwracają również szczególną uwagę na unikalny, obfity sposób nakładania farby.
Blue-S – warszawska galeria sztuki współczesnej, powstała w 2004 roku. Galeria oferuje unikatowe prace artystów z Polski i regionu Europy środkowo-wschodniej oraz świadczy usługi renowacji i oprawy obrazów. Są to prace zarówno dekoracyjne, jak i dzieła o wysokim potencjale inwestycyjnym (posiadają certyfikat oryginalności). Galeria jest również aktywnym animatorem warszawskiego środowiska artystycznego, bierze udział w targach sztuki o międzynarodowym charakterze.
—————————————————————————————-
Anna Kopijer, Nr 21, akryl na płótnie, 100 x 120 cm, 2013 – 2015 (Zapytaj o cenę)
Anna Kopijer – jest absolwentką Uniwersytetu Śląskiego w Katowicach, z filią w Cieszynie. W poszukiwaniu własnej tożsamości malarskiej, po wielu próbach zdecydowała się na formę abstrakcyjną, która pozwala na eksperymentowanie z kolorem i fakturą. Pędzlem maluje rzadko, natomiast wykorzystuje cały wachlarz narzędzi, którymi buduje swoją opowieść na płótnie. Prace artystki oparte na kompozycjach abstrakcyjnych zaskakują szeroką gamą wykorzystanych narzędzi i eksperymentalnym podejściem do klasycznego warsztatu malarskiego. Obraz zatytułowany „21” to efekt długotrwałego poszukiwania specyficznej harmonii kolorystycznej. Ten klimatyczny wątek quasi-pejzażowy pozostawia oglądającemu sporą przestrzeń do osobistych odniesień i odczuć. Płótno powstawało wieloetapowo, z wykorzystaniem różnorakich, często bardzo prozaicznych narzędzi. Autorce udało się dzięki temu uzyskać strukturę, która jest niezwykle wrażliwa na rodzaj i intensywność oświetlenia, dając nietuzinkowy, ciągle zaskakujący obserwatora przekaz.
Galeria Po Prawej Stronie Wisły – działająca od 2010 roku galeria sztuki współczesnej, koncentrujaca się głównie na malarstwie figuratywnym, abstrakcyjnym, a także na grafice, fotografii i rzeźbie. Uzupełnienie prezentowanej sztuki stanowią pracę artystyczne z zakresu rękodzieła. Galeria jest otwarta na młodych, mniej znanych artystów, dla których wystawa w Galerii Po Prawej Stronie Wisły jest często pierwszą wystawą, dającą impuls do dalszej eksploracji rynku sztuki. Galeria Po Prawej Stronie Wisły organizuje wystawy, targowiska sztuki, spotkania z artystami. Jesteśmy otwarci na nowatorskie pomysły wystawiennicze naszych artystów, którzy wykorzystują także przestrzeń ulicy przylegającą do galerii, tym samym wchodząc w bezpośrednią interakcję z odbiorcami sztuki.
—————————————————————————————-
Janina Wierusz-Kowalska, White ribbons, akryl na płótnie, 204 x 144 cm, 2013 (Zapytaj o cenę)
Janina Wierusz-Kowalska – wszechstronnie wykształcona artystka poruszająca się przede wszystkim w obszarze malarstwa. W swojej sztuce pozostaje wierna przywiązaniu do tradycji sztuki niefiguratywnej, szczególnie abstrakcji geometrycznej. Jej wielkoformatowe obrazy budowane są w oparciu o bezwzględne reguły wywodzące się ze sfery natury i biologii, dlatego nadrzędnymi przymiotami sztuki Wierusz-Kowalskiej jest symetria, harmonia, przestrzeń i światło. „White Ribbons” to emblematyczny przykład twórczej filozofii artystki. Uproszczona, architektoniczna kompozycja zbudowana z białych wstęg, dynamizowana jest przez kontrastowe zestawienie bieli i czerni oraz przestrzenne układy geometrycznych elementów. Konsekwentne przepracowywanie tematu abstrakcji stanowi w artystycznej działalności Wierusz-Kowalskiej rodzaj autorefleksji, a reprezentowane przez nią podejście do dzieła malarskiego odzwierciedla wyznawane przez nią wartości, z których najważniejsze to indywidualizm, bezkompromisowość oraz twórcza niezależność.
Janina Wierusz-Kowalska – studia na Wydziale Wzornictwa oraz Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie. Malarka, pedagog, autorka licznych opracowań z dziedziny historii sztuki i teorii designu. Uprawia malarstwo, rysunek, tkaninę przestrzenną. Należy do A.P.A.J.T.E., Polskiego Stowarzyszenia Autorów, Dziennikarzy i Tłumaczy z siedzibą w Paryżu. Swoje prace prezentowała na wystawach indywidualnych i zbiorowych w Argentynie, Belgii, USA, Francji oraz w Warszawie.
—————————————————————————————-
Justyna Pennards-Sycz, Przygotowania do ucieczki, akryl na płótnie, 100 x 300 cm (dyptyk), 2015 (Zapytaj o cenę)
Justyna Pennards-Sycz – twórczość wykształconej w utrechckiej Akademii Sztuk Pięknych malarski lokuje się między abstrakcją organiczną i malarstwem figuratywnym. Płótna tworzone przez Pennards-Sycz charakteryzują się więc takim sposobem obrazowania, który łączy typowy dla abstrakcji esencjonalizm z nieco iluzorycznym, poetyckim językiem malarskim. Są one dzięki temu oszczędne w wyrazie, choć budowanie kompozycji opiera się często na użyciu drobnych elementów. To właśnie przez stosowanie licznych detali i sposób zakomponowania obrazu, dający wrażenie spontanicznie oraz szybko malowanych barwnych plam, artystka podkreśla swoje przywiązanie tak do fantazyjnego surrealizmu, jak i ekspresyjnego abstrakcjonizmu lat 50. XX wieku. Dyptyk „Preparing to Escape” opowiada o uniwersalnym poczuciu zagubienia oraz stanie permanentnej gotowości do ucieczki lub poszukiwania „czegoś lepszego”. Figura małpy użyta w kompozycji stanowi metaforę pierwotności tego uczucia.
Justyna Pennards-Sycz – studia ekonomiczne na Westfalskim Uniwersytecie Wilhelma w Münsterze oraz artystyczne (specjalizacja: malarstwo) w Wyższej Szkole Sztuk Pięknych Hogeschool voor de Kunsten w Utrechcie. Project manager oraz specjalista ds. komunikacji wewnętrznej. Od 2005 roku malarka w duchu abstrakcjonizmu. Działaczka i współwłaścicielka Galerii i Fundacji Archipel w Amersfoort. Mieszka i pracuje w Holandii.
Justyna Pennards-Sycz w Katalogu Rynku i Sztuki
—————————————————————————————-
Piotr Saul, Grumphy Cat, technika mieszana, 100 x 80 cm, 2016 (Zapytaj o cenę)
Piotr Saul – choć wykształcony w zakresie grafiki warsztatowej, w swojej działalności twórczej skupia się przede wszystkim na malarstwie, sięgając nierzadko po tradycyjną technikę oleju na płótnie. Z dużą biegłością zestawia klasyczne malarskie medium z nowymi, unikatowymi środkami wyrazu i elementami plastycznymi: kolażem, ready made, graffiti. Wyraźne jest jego przywiązanie do street artu i estetyki komiksu, których echa pobrzmiewają w spontanicznie budowanych kompozycjach opartych na kontrastowych zestawieniach barwnych, różnicowaniu faktur i multiplikowaniu form. Praca „Grumphy Cat” z 2016 roku jest przykładem niezobowiązującej stylistyki i zamiłowania Saula do fantazmatyczno-absurdalnych scen, w których postaci z kreskówek pojawiają się w zwyczajnych, codziennych sytuacjach. W malarstwie Saula miesza się afirmacyjny stosunek do rzeczywistości z krytycznym namysłem na temat dewaluacji kultury i mocy obrazu.
Piotr Saul ur. w 1986 r. w Nowej Rudzie. Artysta wizualny, muzyk i tancerz, absolwent Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocław na wydziale Grafiki i Sztuki Mediów. Obecnie asystent w pracowni malarskiej prof. K . Skarbka na Wydziale Malarstwa i Rzeźby tejże uczelni. Członek ZPAP oraz Grupy Kotlina Kru. Aktualnie zajmuje się ogólnie pojętym malarstwem, projektowaniem oraz organizacją wystaw, oscylujących wokół tematyki street artu i nie tylko.
——————
Portal Rynek i Sztuka
